(c) TarLung / Argonauta Records

Geduld lohnt sich, vor allem wenn TarLung auf den Plan treten. In den Jahren seit dem Release von „Architect“ im Sommer 2021 tourten die drei Wiener fleißig und ließen sich die nötige Zeit, um an einem Nachfolger zu arbeiten. Der wurde schließlich – einmal mehr – in den DeepDeepPressure Studios aufgenommen, das Artwork kam erneut von Alex Eckman-Lawn. Mit Argonauta Records hat das Sludge-Doom-Powerhouse dafür nun ein engagiertes Label im Rücken. Die Zeichen für „Axis Mundi“ stehen also auf Sturm.

Das eröffnende Bollwerk „Static Noise“ legt erstaunlich understatet los, konzentriert sich im besten Sinne auf das Wesentliche und lässt den Song kommen. Erst rund um die Ein-Minuten-Marke verfinstert sich der imaginäre Himmel, die trockene Präsentation kollidiert alsbald mit heiseren, grummelnden Vocals und bleierner Aggression, die gleichermaßen lähmt und aufwühlt – ein kleines Kunststück, das „Full Circle“ mit verhaltener Melodik kombiniert. Kurze, pointierte Gesangseinlagen ziehen tiefer in den imaginären Sumpf, das Pulverfass droht zu explodieren. Zugleich legt sich eine schwer greifbar zu machende Traurigkeit über das Arrangement, weit über Melancholie hinausgehend.

TarLung beherrschen das Spiel mit melodischen Einschüben prima, ohne diese über Gebühr zu strapazieren. Das zeigt sich beispielsweise in „Burning Out“, das nachdenklich bis fragil anrollt, wieder und wieder eingängige Momente preisgibt und mit zähen Sludge-Wänden rundherum Crowbar etwas näher kommt – ein kleines Lehrstück in Sachen Dynamik und Songwriting. Sollte dieser Exkurs zu brav anmuten, dann ist „Between Earth And Moon“ die perfekte Antwort. Hier rückt das etatmäßige, brachiale Dickicht zerstörerischer Gemächlichkeit wieder in den Mittelpunkt und serviert ruppige, erdrückende Sludge-Urgewalt in zurückgelehnter Dosis.

Ein Hauch mehr Sonne und Melodie, von räudigem Sludge wieder und wieder mit Wonne zerlegt: TarLung zeigen sich einmal mehr in richtig guter Form. Das Spiel mit eingängigen Momenten und klassischeren Doom-Passagen, die auf „Architect“ bereits angedeutet wurden, driftet hier in Richtung Vollendung. Mit spürbar mehr Feingefühl und zugleich vertrauter Aggression findet „Axis Mundi“ einen hochspannenden Mittelweg, der gerne mal überfordert und zugleich weitere Lichtschimmer in die Hässlichkeit des Seins einbettet. Die Wiener räumen erneut ab.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.01.2026
Erhältlich über: Argonauta Records

Facebook: www.facebook.com/tarlungband

(c) Nikolaus Raty (@nicknofuture)

Lauter, schneller, Dialektiker: Den olympische Grundgedanke interpretieren Heckspoiler einmal mehr auf ureigene Weise. Auf ihren bisherigen beiden Studioalben und zuletzt ihrer Live-Platte bewiesen Thomas Hutterer und Andreas Zelko gewohnt sympathisch-derbe Zerstörungswut, zwischen Hardcore, Punk, Rock, Metal und Mundart. An der reduzierten Instrumentierung und dem verschwitzt-giftigen Auftreten hat sich rein gar nichts geändert, und das ist verdammt noch mal eine gute Nachricht. „Bock auf Stress“ macht sogar noch mehr Druck.

Das liegt nicht zuletzt an der angenehm unmittelbaren Produktion, die ohne Netz, doppelten Boden oder andere Barrieren arschlings ins Gesicht springt und die volle Dosis Live-Energie auf Platte bannt. Bereits das eröffnende „Plenum“ stürzt sich ohne große Vorwarnung in media res und bringt nicht zum letzten Mal etwas Thrash-Energie ein. Die atemlose Uptempo-Schlacht spielt mit kurzen, pointierten Hooks und bleibt doch atemlos. Bekömmliche Hektik trägt „Speed“ bereits im Namen und dreht mit wachsender Begeisterung am Rad. Selbst die Vocals überschlagen sich beinahe, vom Motörhead-Bass in die Mangel genommen und am Drumhocker vermöbelt.

„Showtime“ ist zwar erst zum Schluss, was aber nicht stört. Die widerborstige Aggression kommt gut, Hardcore und Thrash überholen sich beinahe selbst, während die angegroovten Passagen zwischendurch sogar ein wenig mit Sludge anbandeln. Falsett ohne Disco, das ist das Geheimrezept von „Party“. Aus den schrägen Strophen entwickelt sich eine komplett abgewrackte Beinahe-Hymne, halb verkatert, voll mit gebrochenem Herzen. Diesen „Bock auf Stress“ münzen Heckspoiler in einen D-Beat-Nackenschlag allererster Güteklasse um. Eine Frontalattacke jagt die andere, hinten wird kurz feucht rausgewischt.

Keine halbe Stunde später ist alles eitel. Heckspoiler versuchen erst gar nicht, alles umzustoßen, sondern erhöhen über weite Strecken einfach ’nur‘ die Schlagzahl und rennen damit offene Türen ein. Mehr Thrash, mehr Hardcore, etwas Sludge und gewohnt schräge Ideen – was das Duo bereits auf den beiden Vorgängern auszeichnete, findet jetzt mehr und mehr zur Formvollendung. „Bock auf Stress“ ist das unmittelbarste, direkteste Album der beiden Oberösterreicher, atemlos und mitreißend, hinsichtlich Songwriting und Energie sogar noch einen Tacken stärker als zuvor. Mit ihrer bislang besten Platte räumen Heckspoiler ab, ob auf der Couch oder im überhitzten Club.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 05.12.2025
Erhältlich über: Noise Appeal Records (Sony Music)

Website: heckspoiler.org
Facebook: www.facebook.com/heckspoiler

(c) Julian Jauk / Tonstudio Grelle Musik

Mittlerweile zählen Ellende zum schwarzmetallischen Inventar. Das Projekt des Grazer Multi-Instrumentalisten L.G. verbindet die Extreme des Genres mit emotionaler Schwere und betont beklemmender Atmosphäre. Der Blick auf elementare Themen der Zeit – zuletzt unter anderem Krieg, Tod, Trauer und Sozialkritik – liefert die nötige Würze. „Zerfall“ schlägt in eine ähnliche Kerbe. Von einem tragischen Ereignis im Leben des Musikers beeinflusst, dreht sich der neue Longplayer um das Gefühl, in tausend Trümmer zu zerspringen, sich mühevoll zusammenzusetzen und schließlich triumphal zu neuer Stärke zu finden.

„Wahrheit“, der erste von gleich zwei Zweiteilern auf diesem Album, bringt den Sound dieser Platte über weite Strecken auf den Punkt und wandelt seine furiose, unbändige Energie nach und nach in emotionale Schwere um. Die Vocals bleiben heiser und kantig, doch sorgen die minutenlangen instrumentalen Einschübe für jene post-metallische Epik, die Ellende so gut zu Gesicht steht. Trauernde Schwere und gallige Screams tauchen auch im langsam anrollenden zweiten Abschnitt auf, bevor der Schlussakt abhebt, mit stoischen Drums und flirrenden Gitarren ein Ende bemüht, das dennoch gefühlt offen bleibt.

Noch weiter hinaus wagt sich „Reise“, überrascht mit Vocal-Samples und sakral anmutenden Gesängen. Aus dieser mystischen Grundstimmung entsteht letztlich ein mörderischer Sprint, der alles zerlegt, bis das eigene Ende nur noch Formsache bleibt. Im Titelsong „Zerfall“ überrascht die minutenlange, durchaus melodische Reduktion zu Beginn. Aus dem mystischen Post Rock wird jedoch ohne Vorwarnung eine explosive, alles zu Kleinholz machende Horrorshow. Deckung sucht man vergebens, Sicherheit ist eine Illusion. Auch „Zeitenwende“, der zweite Zweiteiler (mit Unterstützung von Firtan und Norikum), schätzt das Spiel mit plötzlichen Eruptionen, mit falscher Sicherheit, aber auch mit majestätischer Aggression. Gerade die letzten drei Minuten erreichen einen schier unmenschlichen Siedepunkt samt verspieltem Gitarrensolo.

Die Unerträglichkeit des Seins rückt näher und näher, ringt mit den Sinn von Katharsis und bemüht zarte Hoffnung inmitten des Untergangs. „Zerfall“ ist die logische Fortsetzung des bisherigen Schaffens von Ellende und pendelt sich auf mittlerweile vertraut hohem Niveau ein. Der Post Black Metal gibt sich so vielschichtig und dynamisch wie eh und je, liebt die Unvorhersehbarkeit, aber auch diese ellenlangen nachdenklichen, instrumentalen Passagen, die tatsächlich noch einen Tacken epischer, monumentaler ausfallen. Bevor ungefilterte, rohe, unmittelbare Wut und begleitende Verzweiflung alles im Keim ersticken. Das ist – einmal mehr – richtig gut und richtig beklemmend.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.01.2026
Erhältlich über: AOP Records (Edel)

Website: www.ellende.at
Facebook: www.facebook.com/ellende.official

(c) Svntarer / FDA Records

Dieser aufsteigende Ast führt in höchste Höhen: Das Salzburger Duo Svntarer liebt melancholische Klänge im extremen Gewand. Post Black Metal und Sludge, melodische Euphorie und tödliche Härte fanden bislang auf einem Album und einer Single zusammen, beide in Eigenregie erschienen. Mit FDA Records wurde nun ein kongenialer Partner gefunden, um dem Zweitling „Exitus Triumphalis“ eine größere und mehr als verdiente Bühne zu gewähren. Und diese wird sogleich mit Nachdruck genutzt.

Eitel Sonnenschein herrscht hier nicht, das zeigt alleine schon ein Titel wie „Feed The Earth With Bodies“. Folglich setzt es bleierne Schwere und infernale Frontalattacken mit ähnlich wütenden bis verzweifelten Vocals, die sich mühevoll aus dem Dickicht kämpfen. Wiederholtes Aufbrausen und schwerfällige, dennoch gemächlichere Zwischentöne symbolisieren eine Art Ebbe und Flut, bevor ein ellenlanges Fade-out das Ende beschwört. „Dirigent des Niedergangs“ trägt es bereits im Titel. Gemeinsam mit J.J. (Karg, Harakiri For The Sky) geht es durch majestätischen Post Black Metal mit Sludge-Schlagseite, stets am gefühlten Limit operierend, drückend und doch mit dem nötigen Feinschliff vorgetragen.

Diesen Spagat vermeidet „Oh Lord, Come Dance With Me“ weitestgehend und wechselt schnell in den Angriffsmodus. P.G. von Groza spendiert dem Track zusätzliche Bedrohlichkeit, während die silbenreichen, stellenweise sogar mit Hardcore flirtenden Vocals überraschen. Die melancholische zweite Hälfte kommt dennoch unerwartet, gerade nach betont radikalen Zwischensprints. Und doch ist derlei Unvorhersehbarkeit ein wichtiger Eckpfeiler von Svntarer, siehe auch das über weite Strecken klagende, dennoch im richtigen Moment überkochende „In Igne Ardeo“, das durch eine Art imaginären Fleischwolf dreht.

Die Gänsehaut bleibt noch lange nach dem Verhallen des letzten Tons erhalten. „Exitus Triumphalis“ ist eine Frontalattacke auf sämtliche Sinne, zugleich von hoher Musikalität geprägt. Klar, das Duo mag seinen Post Black Metal, seinen Sludge, etwas Post Rock (siehe und höre der CD-Bonus-Track „Burnt Out Into Oblivion“) und Todesstahl, wirkt dabei förmlich süchtig nach Melancholie, nach unmittelbarer Emotionalität und Sinnesschwere. Svntarer pendeln mit wachsender Begeisterung zwischen den Extremen, heavy und filigran zu gleichen Teilen, und verpacken das in ein von vorne bis hinten richtig gutes, kurzweiliges Album. Dieser famose Zweitling wird noch lange nicht loslassen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.12.2025
Erhältlich über: FDA Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/Svntarer

(c) Thomas Keplinger

Distaste haben ihren Groove gefunden, selbst wenn es gerade richtig schön laut zugeht. Der Wechsel zu FDA Records bekam den heimischen Krachmachern hervorragend, mit „Der Ertraeger und das Fleisch“ präsentierten sie vor zwei Jahren eine echte Ausnahmeplatte, mit der sie verdientermaßen durch die Decke gingen und zugleich musikalisch gefährlicher denn je klangen – mit HM2-Sägewerk, Blackened-Ansätzen und sogar etwas Death Doom. Exakt da soll „Agoniepositur“ nun ähnlich vehement weitermachen.

Und tatsächlich stellt sich auch dieser Longplayer angenehm breit auf. Das furiose und zugleich unfassbar präzise „Endzweck Geschroepf“ bringt Deathgrind, Melodic Death Metal und sogar kleinere Blackened-Untertöne in 110 Sekunden perfekt auf den Punkt, rattert aggressiv durch und erinnert an die besten Zeiten von Carcass. Das kommt natürlich von Herzen, wie auch „Gottes Geschenk an die Menschheit“ – selbstverständlich ein herrlich finsterer, abstoßender Track, dessen nahezu groovender Mittelteil sofort ins Ohr geht und von einem erstaunlich epischen Solo abgerundet wird. Hingegen serviert „Furunkelmann“ vergleichsweise straighte Grind-Action und nimmt sich kein Blatt vor den Mund – war auch nicht anders zu erwarten

Starke Tracks hat dieser Longplayer in Hülle und Fülle, darunter das explosive „Nestbeschmutzer“, das mit seinem Groove-Auftakt täuscht und urplötzlich durch die Decke geht. Im Titelsong nehmen Distaste schließlich das Tempo komplett heraus und vermengen Death Doom mit Black Metal – dezent frostig und maximal erdrückend. Jede einzelne Note trifft mitten ins Herz. Damit fällt zwar keine „Last“ ab, doch kann der wunderbar abgedrehte gleichnamige Song auf ganz andere Weise abräumen – mit höchstem Tempo und kompromisslosen Muskelspielen, wie sie auch der blastende „Alpinist“ beherrscht, bevor der Klettersteig plötzlich kollabiert.

Distaste halten das unfassbar hohe Niveau der jüngeren Vergangenheit und räumen auch dieses Mal auf allen Ebenen ab. Zwar gibt es auf „Agoniepositur“ keine großen neuen Erkenntnisse, doch vermisst man diese auch nicht. Stattdessen sorgt eine der besten Extreme-Bands des Landes mit furioser Kompromisslosigkeit, textlicher Präzision und der einen oder anderen Überraschung für ein weiteres verstörendes Highlight. Die Nackenmassage gestaltet sich fatal – ein weiterer absoluter Überflieger von der ersten bis zur letzten Sekunde.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 24.10.2025
Erhältlich über: FDA Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/distastegrind

(c) Triptonus / StoneFree Records

Es ist vielleicht inzwischen müßig zu sagen, doch klingen Triptonus im besten Sinne wie keine andere Band. Das Wiener Sextett lebt natürlich vor allem für seine hypnotisierenden Live-Auftritte, verspielt und ausladend, entwickelt sich aber zugleich auf Platte immer weiter – dank vielfältiger Percussion, Elektronik, doppeltem Gitarreneinsatz und einem Sound, der Psychedelic Rock, Prog, Stoner, Post Rock und sogar Metal zu schätzen weiß. „Terra“ treibt diese Evolution weiter an.

Wie „Sultana“, mit gut sieben Minuten der kürzeste Song des Albums (von einem kurzen Zwischenspiel abgesehen), das Geschehen motorisiert, macht unheimlich Laune. Vocals gibt es weiterhin keine, werden aber auch nicht vermisst, denn die Musik kann so viel erzählen – mit treibenden perkussiven Drums, wütenden Gitarren und brachialer, metallischer Schwere. Das landet natürlich mit Anlauf zwischen den Stühlen, tut das jedoch auf großartige Weise. Im ausgedehnten, etwas ruhigeren Mittelteil branden schließlich faszinierende psychedelische Welten auf. Der Song häutet sich, nimmt erneut Fahrt auf und wird nahezu fies im Abgang – ein großartiger Kunstgriff.

Stark ist selbstverständlich auch die restliche Platte, wobei der Titelsong „Terra“ mit seinen 13 Minuten mehr denn je die Grenzen des Machbaren auf die Probe stellt. Sanfte Percussion und etwas Elektronik bauen schwer greifbare psychedelische Welten auf, die suchende Gitarre fährt mit quengelnden Tönen durch Mark und Bein. Nach der Sechs-Minuten-Marke überraschen proggige Motive, der imaginäre Himmel verfinstert sich und bereitet auf rohe, monumentale Katharsis vor. Einige der härtesten Passagen des gesamten Albums bäumen sich gar überdimensional auf, verbreiten Angst und Schrecken, spielen mit Post Metal und Noise. Und irgendwann kehrt Stille ein.

Dass dieses neue Album ein Siegeszug geworden ist, überrascht ebenso wenig wie seine musikalische Evolution, die das Geschehen noch größer, unvorhersehbarer und spontaner erscheinen lässt. Triptonus lieben diese kleinen, mehr als feinen Trips, die unerwarteten Wendungen, eine gewisse Spiritualität und das konstante Experimentieren mit Dynamik. „Terra“ steht schon mal mit beiden Beinen fest auf der Erde und strebt doch stets nach mehr, versucht irdische Fesseln abzulegen und hofft auf Eingebung. Was letztlich gegeben wird, ist eine von vorne bis hinten aufregende Platte, ein Kopfhörererlebnis, eine kolossale Tour de Force.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 12.09.2025
Erhältlich über: StoneFree Records

Website: triptonus.net
Facebook: www.facebook.com/Triptonus

(c) Witchrider

Binnen kürzester Zeit haben sich Witchrider ihre Rolle als Fixstern am heimischen Alternative- und Stoner-Firmament erkämpft. 2012 gegründet, steht das Grazer Quartett für süffige Riffs und fuzzige Wärme. Zuletzt war es – zumindest aus dem Studio – eine Spur ruhiger geworden, ihr letztes Album hat tatsächlich bereits knapp fünf Jahre auf dem Buckel. Und doch scheint die Zeit im besten Sinne stehengeblieben zu sein: Die neue EP „Metamorph“ räumt einmal mehr mit wachsender Begeisterung ab.

„Used To Be A King“? Sind die Steirer immer noch, gerade in diesem sonnigen Opener, dessen Wolken sich nach und nach verfinstern. Gewisse Querverweise zu den Wüstenköniginnen haften Witchrider seit jeher an, das ist auch hier nicht anders, wenngleich der lässige, abgehangene Sound eindeutig ihre eigene Handschrift trägt. Luftige Schwere beweist im Anschluss „Sound Of The Presidents“ – ein Kunststück, das mit dem vermeintlichen Oxymoron herrlich melodisch umgeht und geradezu über den Dingen schwebt. Viel Gefühl trifft auf gemächlichen Drive. Hingegen geht es „Hold My Mind“ etwas forscher an und taucht vermehrt in Alternative Rock und sogar etwas Post-Grunge ein. Da lassen schon mal Bush grüßen, bloß als Fuzzer.

Zurück in die Wüste führt „Safe To Say“, obligatorischer Wechsel in höhere stimmliche Register inklusive. Die offensive Auseinandersetzung mit der Tonleiter macht mindestens so viel Laune wie die dynamische Rhythmusabteilung, zwischen stoischem Groove und mächtigen Drumrolls unterwegs. „Wake Me Up“ macht müde Geister tatsächlich munter, spielt mit Melodie und Effekten und verfügt ebenfalls über diesen unwiderstehlichen Drive, der ohne Umwege nach vorne geht und alles in die Knie zwingt. Der gefühlvolle Peak ist wie von einem anderen Stern. Zum Abschluss wählt „Alive“ den Tapetenwechsel, nimmt das Tempo heraus und täuscht semi-akustische bis funkige Instrumentierung an. Auch das steht Witchrider gut zu Gesicht.

Eigentlich ist die gesamte EP ein einziger großer Siegeszug. Uneigentlich auch, denn Witchrider melden sich in bestechender Form zurück und schaffen es tatsächlich, sich sogar noch etwas breiter aufzustellen. Natürlich bleiben die Grazer der Wüste treu, ebenso dem weiten Alternative-Feld. Irgendwo dazwischen breitet sich eine feine, majestätische Platte aus, die mit jedem Durchlauf gewinnt. Die großartige Riffs und Hooks aufweist, gelegentlich dreckig sein kann und doch mehr als genug Gefühl mitbringt. Die ein neues Songwriting-Level erklimmt und mit ihrem besonderen Charme nicht loslässt. „Metamorph“ unterstreicht ein weiteres Mal die Klasse dieses Quartetts, das gefühlt immer besser wird. Ein komplettes Album in dieser Form könnte ein Festmahl werden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 15.08.2025
Erhältlich über: Fuzzorama Records

Website: www.witchridermusic.com
Facebook: www.facebook.com/witchriderband

(c) Anja Benedetter

Seit nunmehr 20 Jahren versumpft die Lobau zusehend, so eine rifflastige Vermutung. Dafür braucht es kein Tunnelgutachten; man muss bloß auf eine der besten heimischen Stoner-Sludge-Bands hören. Lowbau ließen sich für ihre Version von Southern Metal vom Donauauengebiet inspirieren, gehen die Musik so ernst wie immer an, auch zum runden Geburtstag. Den begeht das Wiener Quintett mit einer neuen EP: „The Great Zero“ destilliert sämtliche Stärken auf drei knackige, mitreißende Songs.

Zu den zeitlosen, ungebrochenen Highlights dieser Platte zählt eine der besten Metalstimmen des Kontinents. DeGuyten steht weiterhin für heiseren Blues, der perfekt zu den wütenden Extremen des Sludge-Mikrokosmos passt. Im Opener „Holy Drones“ tobt er sich mit wachsender Begeisterung aus, reißt das Geschehen an sich und wird zum Motor dieses furztrockenen, drückenden Songs. Southern-Riffs, Stoner-Energie und Heavy Blues finden zusammen, die wüste Rhythmusabteilung dreht am Stand durch und die zermürbende Sludge-Schwere mittendrin erschlägt beinahe. So ziemlich alles, was Lowbau ausmacht, steckt in diesen fünfeinhalb Minuten – mehr als nur ein Auftakt nach Maß.

Im Vergleich dazu geht „Cosmic Cowboy“ flott nach vorne, spielt mit Punk- und Thrash-Energie, speit Gift und Galle. Speziell der frontale Uptempo-Quasi-Chorus schlägt mit ungebrochener Wucht zu, das wunderbar abgedrehte Solo komplettiert den knackigen Nackenschlag. „Symphony Of Diversity“ rundet den Release ab, das jedoch in aller Gemächlichkeit. Bewusst gedrosseltes Tempo und bleierne Schwere drängen den Sludge in nahezu doomige Gefilde, was ihm jedoch wunderbar zu Gesicht steht. Eine plötzliche Explosion zur Halbzeit treibt den Song regelrecht vor sich her, die Spannung ist beinahe nicht auszuhalten … bis dröhnende Heavyness das Heft erneut fest in die Hand nimmt.

Lowbau ziehen ihre Sache gewohnt souverän durch und nehmen keine Gefangenen. Die Inspiration von Eyehategod, Crowbar und Corrosion Of Conformity ist nicht zu überhören, wiewohl man bei den Herren aus der Hauptstadt längst weiß, was man bekommt. „The Great Zero“ mag viel zu schnell vorbei sein, ist dafür all killer und ganz bestimmt no filler. Drei mächtige Tracks, betont abwechslungsreich und angenehm wahnwitzig, zeigen einmal mehr laut und deutlich, warum Lowbau zu absoluten Meistern ihres Fachs zählen. Auf mindestens weitere 20 Jahre.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.07.2025
Erhältlich über: Electric Fire Records

Website: lowbau.com
Facebook: www.facebook.com/LOWBAU

(c) Kuro Simon

Unbequeme Bedrohlichkeit mit Haltung, so oder so ähnlich lassen sich Nekrodeus auf den Punkt bringen. Das Grazer Quartett veröffentlichte bislang zwei Alben und eine EP, verschob den eigenen Sound graduell von Death Metal hin zu einem herrlich ranzigen, vielschichtigen Mix aus Black Metal, Sludge, Grind, Hardcore Punk und Crust, und lässt sich nicht verbiegen. „Ruaß“ hat ebenfalls viel zu sagen, nimmt mit Sicherheit kein Blatt vor den Mund und lässt sich zu keiner Zeit von Gegenwind beeindrucken.

Ausgerechnet das kurze, herrlich furiose „Volkscancer“ als ersten Vorboten zu wählen, war fantastisch. 46 Sekunden Grind mit lyrischem Dampfhammer macht sehr schnell klar, wo Nekrodeus stehen. Kurze, knackige Tracks gibt es ein paar, darunter das herrlich abgedrehte „Sarg aus Fleisch“, das sich mit wachsender Begeisterung selbst überholt. Der krasse Gegensatz findet sich am Ende des Albums, wenn „Sternenleichen“ mit Sludge-Doom-Gemächlichkeit und Dialekt bis zur Überspitzung, bis zum lärmenden Zusammenbruch trägt. J.J. von Karg und Harakiri For The Sky unterstreicht den Wahnsinn dieser wohligen Tortur.

Er ist keinesfalls der einzige Gast auf dieser Platte. In „Frost“ wütet L.G. von Ellende gekonnt mit und lässt den erst zähen, dann geradezu explosiven Track anschwellen. Speziell der Deathgrind-Mittelteil macht unheimlich viel Laune. „Körperstrafe“ wird von ‚Friends‘ unterstützt, das sind unzählige Musiker aus der Szene, die den grantigen, angenehm nervösen Track befeuern. Blackened Hardcore wird hier zur Kunstform erklärt und schimmert immer wieder durch, beispielsweise im explosiven „Abgrundmensch I“, das so ziemlich alles, was Nekrodeus ausmacht, in einen Song packt. Auch im zwischenzeitlich schwerfälligen „The Seeds Of Your Own Destruction“ mit Sludge-Doom-Einschub gelingt die plötzliche Eskalation gar famos.

Die willkommene Unvorhersehbarkeit dieser 41 Minuten macht Laune. Nekrodeus bauen einfach das aus, was sie auf ihrem letzten Album zeigten, holen sich ein wenig Prominenz dazu und machen Laune mit klarer Kante. „Ruaß“ ist eine sympathische Wundertüte geworden, wo man nie so genau weiß, was gerade passiert. Die Grind-Eruptionen wirken noch eine Spur drastischer, die Sludge-Einschübe könnten kaum zäher und unbequemer ausfallen, und der stets darübergestreute Black Metal in verschiedensten Ausführungen und Aggregatszuständen sorgt für den nötigen Wahnsinn zu jeder Zeit. Nekrodeus etablieren sich als eine der interessantesten heimischen Bands und wecken schon jetzt Vorfreude auf ihren nächsten Höllenritt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.04.2025 (digital) / 16.05.2025 (physisch)
Erhältlich über: FDA Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/nekrodeus

(c) Aleksandar Kos

Für kleine Überraschungen waren Karg immer schon gut. Im Laufe der Jahre und Alben entwickelte sich das Soloprojekt mehr und mehr zum Kollektiv, erweiterte den eigenen Sound bewusst und blickt aktuell selbstbewusster denn je über den schwarzmetallischen Tellerrand. Und doch kehrt man, nach vergleichsweise experimentellen Ausflügen, zurück in vergleichsweise klassische Gefilde. „Marodeur“ ist das erste im Kollektiv geschriebene Werk und das insgesamt neunte Studioalbum, das sich wieder konzentrierter mit Post Black Metal befasst. Und doch hat das Quinett rein gar nichts an seiner mutigen, gerne mal herrlich abgedrehten Experimentierfreude eingebüßt.

Eine dieser Wahnsinntaten ist „Annapurna“, das schon mal wohlige Erinnerungen an Dornenreich weckt. Das liegt nicht zuletzt an Klara Bachmairs Violine (u.a. Firtan, Vinsta), die über weite Teile des Albums Präsenz zeigt und hier für das nötige Drama sorgt, während die Band mit wachsender Begeisterung durchstartet und das Geschehen schrittweise verdichtet. Wütende Sprints, heisere und intensive Vocals, dazu das klassische angehauchte und zugleich hochgradig melancholische Sägen – die perfekten Zutaten für einen Rausch der Gefühle, von höchsten Höhen und kapitaler Niedergeschlagenheit begleitet. Eine feine Zäsur zwischendurch kann das Geschehen weiter und konzentrierter verdichten, bevor erneut durchgestartet wird.

Die bleierne Schwere des eröffnenden „Schnee ist das Blut der Geister“ nebst Piano-Beitrag von Michael Eder, Gast-Vocals von Perchta und geknickter Niedergeschlagenheit erinnert hingegen ein wenig an die Post-Punk-Ansätze der letzten Karg-Platte. Zwar taucht man zu keiner Zeit derlei stark in solche Gefilde ein, doch kann das getragene Tempo nebst beklemmender Präsentation ebenso zupacken wie das erst zögerliche, dann explosive „Kimm“. Grelles Flackern, wüste Irrlichter und erstaunlich epische Untertöne strapazieren Black Metal aufs Post-Äußerste. Während die Atmosphäre zum Zerreißen gespannt ist, wird J.J. noch heiserer, lässt das lyrische Herz bluten und predigt mit wachsender Begeisterung in die endlose Nacht.

Tatsächlich wieder einen Tacken härter und schwarzmetallischer, ohne dabei die experimentell angehauchte Besonderheit ihrer Musik ad acta zu legen: Karg haben hörbar keine Lust, alles über den Haufen zu werfen, kehren aber aktiv zurück zu wütenderen Klängen, die ihnen gut zu Gesichte stehen. „Marodeur“ lebt von seiner intensiven Atmosphäre und knisternden Spannung, markiert einen Rückgriff auf die eigenen Wurzeln und hat doch keinesfalls vor, neuere musikalische Errungenschaften zu ignorieren. Das Ergebnis serviert Karg in Bestform und wirbelt das Seelenleben einmal mehr mit wachsender Begeisterung auf.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.04.2025
Erhältlich über: AOP Records (Edel)

Facebook: www.facebook.com/kargband

(c) Rene Percei Lang

Echte Emotionen sind spürbar, können widersprüchlich ausfallen, ja sogar von einem Extrem ins andere umschlagen. Exakt das transportiert die Musik von Hope Till December. Das Quartett aus der Hauptstadt versteht sich auf einen modernen, derb-melodischen Mix aus Post-Hardcore und Metalcore, mit dem sympathischen Beinamen ‚Heartcore‘ versehen. Ein Album sowie diverse Singles und Kleinformate haben die Wiener bereits im Gepäck, mit „Hell Is Home/Home Is Good“ landet nun ein alles andere als schwere Zweitling, sondern der potenzielle große Wurf.

Nur sieben Songs in unter einer halben Stunde haben es auf diese Platte geschafft. Klasse statt Masse? Tatsächlich ist dies das gar nicht mal so geheime Rezept von Hope Till December. Mit der Video-Auskopplung „Præy For Me“ wird so ziemlich alles, was die Band ausmacht, in knapp vier Minuten abgehandelt – wütende, ruppige Nackenschläge, hymnische Melodieansätze und furiose, kraftvolle, in den richtigen Momenten verzweifelte bis aufgewühlte Vocals finden schnell zusammen. Die schrille, überdrehte Gitarre und die mächtige Midtempo-Heayvness lassen mitbrüllen und die Nackenwirbel bürsten – mehr braucht es nicht zum vollkommenen Glück.

Von diesem Kaliber gibt es mehrere Tracks zu hören: „Coffin Shaped Lungs“ geht giftig nach vorne, erinnert gelegentlich an die Metalcore-Ursuppe von Zao und Konsorten, nur um urplötzlich so etwas wie hoffnungsvolle Melodik Einzug halten zu lassen. Der kolossale Breakdown ist nie weit entfernt. Darf „We Are Hate“ als Mission Statement verstanden werden? Klargesang im Refrain sorgt für einen spannenden Farbtupfer, vor allem im Duett mit den galligen Screams. Und aus dem Nichts drehen Hope Till December den Track wieder auf links, schleichen auf lärmender Sohle durch das dissonante Dickicht und bekämpfen Faustschläge mit vorsichtigem Optimismus.

Tatsächlich steht Qualität hier meilenweit über Quantität. Es mag keine Übermenge an Musik sein, die Hope Till December auf ihr zweites Album gepackt haben, doch überzeugt diese von der ersten bis zur letzten Sekunde. Drückende Wucht, gepflegte Ritte auf der eierlegenden Wollmilchsau und greifbare, ehrliche Emotionen, die geschickt mit melodischen Ansätzen kollidieren, finden hier zusammen. Der Heartcore-Begriff ist gar nicht mal so weit hergeholt, denn Herzblut steckt in jedem der sieben Tracks. „Hell Is Home/Home Is Good“ bestätigt die erstaunliche Frühform der Wiener, die mit diesem mitreißenden Machwerk mehr als nur eine Talentprobe ablegen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.04.2025
Erhältlich über: FFS Labelservice

Facebook: www.facebook.com/hopetilldecember

(c) Pillars Of Cacophony

Biowissenschaft, Lockdowns und eine Doktorarbeit – diese zugegebenermaßen ungewöhnlichen Zutaten legten den Grundstein für Pillars Of Cacophony, ein Projekt des Grazers Dominik, der bei Seduced die Gitarre bedient und die unerwartete Extrazeit vor einigen Jahren zum Anlass nahm, ein Nebenprojekt auf die Beine zu stellen. Das erste Album „Parerga“ wurde von Bandkollege Georg abgemischt, mit „Hitchens“ erschien eine weitere Single. Nun schwingt sich „Paralipomena“ erneut zu höchsten Höhen auf und serviert im technischen versierten Death-Metal-Umfeld eine intensive Auseinandersetzung mit den ‚biologischen Wahrheiten des Lebens‘ und den Werkzeugen jener Wissenschaftler, die diese entschlüsseln.

Die (fast) komplette DIY-Produktion wirkt in jeder Hinsicht größer und vielfältiger. Einzig das Artwork und ein Gitarrensolo wurden ausgelagert, ansonsten wurde hier alles in Eigenregie gestaltet. Und dieser Ansatz geht auf, wie beispielsweise „The Cradle“ sehr eindrucksvoll unter Beweis stellt. Der Track explodiert förmlich aus den Startlöchern, zeigt sich jedoch bockig und störrisch. Komplexe Tech-Rhythmuswechsel und kleine Zäsuren lockern das Bollwerk auf und machen es zugleich komplizierter. Speziell der ominöse, nahezu melodische Mittelteil lässt kurz aufhorchen, dann folgt die nächste Explosion.

Und Explosionen, Detonationen gibt es auf dieser Platte in Hülle und Fülle. „The Discord“ startet in media res, stimmt einen Blackened-Sprint an und mischt immer wieder Dissonanzen betont unangenehmer Art hinzu. Wiederholtes Ausschlagen, plötzlich gedrosseltes Tempo und kantige Kaltstarts torpedieren sämtliche Sinne. Sofern diese nicht bereits längst betäubt worden sind, siehe und höre „Of Plaques And Fibrils“. Geradezu jazzig-proggige instrumentale Einschübe zerlegen brutalste Death-Metal-Husarenritte mit dem Skalpell und setzen neu zusammen – ein bizarrer wie  faszinierender Höllenritt. Hingegen beginnt „Mitosis“ relativ klassisch und direkt, nur um sich in der zweiten Hälfte in jazzigen Mini-Jams zu verlieren. Ja, das ist immer noch dieselbe Band.

Pillars Of Cacophony fahren Schlitten mit etwaigen Erwartungen und machen einfach. Der technisch versierte, brachiale Death Metal bietet sich so und so für Experimente wie auch für komplexe Themen an. Exakt das nutzt der Grazer hier mit wachsender Begeisterung aus. „Paralipomena“ überfordert erst einmal, verläuft sich gerne mal und findet doch stets zurück zur eierlegenden Wollmilchsau, zum reitenden Wahnwitz. Von einer nicht minder packenden Produktion entsprechend in Szene gesetzt, geht es für Pillars Of Cacophony mehr und mehr in Richtung internationale Spitzenklasse.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 28.03.2025
Erhältlich über: Teratogen / grazil Records

Website: pillarsofcacophony.bandcamp.com

(c) Armin Lieschnig

Ende 2022 war das Ende einer Ära bei Vinegar Hill gekommen. Bei den steirischen Melodic-Death-Veteranen blieb einzig Gitarrist, Sänger, Songwriter und Gründungsmitglied Michael Dreschnig an Bord und scharte fortan eine neue Mannschaft für das nunmehr fünfte Album um sich. Diese ’nächste Schaffensphase‘, wie es begleitend heißt, soll unter anderem kompakter und effektvoller rüberkommen. Tatsächlich konzentriert sich „Darkness Echoes“ auf das Wesentliche und öffnet sich gleichzeitig mehr denn je für epische Klänge.

Einer jener Tracks, der diese neue, verfeinerte Ausrichtung perfekt umreißt, findet sich gleich zu Beginn: Der Titelsong „Darkness Echoes“ bringt sämtliche neuen und alten Qualitäten zusammen. Thomas Kaluza growlt wie ein Besessener, die Band zieht das Tempo an und lässt doch Platz für packende Hooks, die Dreschnig mit hymnischem Klargesang versieht, feine Gitarrenspielereien inklusive. So einfach kann Melodic Death Metal sein. „I Am The Villain“ legt im direkten Anschluss noch einen drauf und gestaltet die Clear Vocals deutlich epischer. Die könnte man sich bei Borknagar ebenso vorstellen wie bei proggig angehauchten, ‚klassischen‘ Metal-Bands. Bleierne Schwere, Gift und Galle schwingen drumherum und sorgen für packende Kontraste.

Mit „Shadows Closing In“ zeigen Vinegar Hill zudem, dass sie hinsichtlich Songwriting eine großen Sprung gemacht haben. Urplötzlich explodiert der Track, stampft in bester Göteborg-Manier los, nur um im Chorus gesungenen Pathos einzubringen, der hier wie Arsch auf Eimer passt. Dreschnig bekommt seinen großen Auftritt nach der Drei-Minuten-Marke, verändert die Richtung des Songs sukzessive und stimmt erst eine Hymne an, bevor sich geifernde Growls und beißende Double-Bass-Salven einmischen. Die sympathische Düsternis von „Mouth Of Rust“ greift Ideen der letzten Albums auf und verleiht ihnen die nötige Präzision, um ebenso zuzupacken wie das kantige Finale „The Day The Sun Died“, das sich in vergleichsweise klassische Midtempo-Melodic-Death-Gefilde vorwagt.

Eben jene Vielseitigkeit ist letztlich die große Stärke dieser knapp 40 Minuten, mit denen Vinegar Hill endgültig durch die Decke gehen sollten. Tatsächlich geht die einfache wie geniale Strategie, songdienlicher und unmittelbarer zu arbeiten, vollends auf. „Darkness Echoes“ hat seine Hits, seine Nackenbrecher und seine Hymnen, stellt ein bärenstarkes neues Line-up vor und serviert Melodic Death Metal, der mit wachsender Begeisterung gegen Vorhersehbarkeit ankämpft und immer wieder aus dieser ausbricht. Gerade im epischen Bereich gehen die Steirer interessante Wege und bleiben trotzdem ihren Wurzeln treu. Die Mischung stimmt, die Präsentation stimmt – das Risiko macht sich für Vinegar Hill hörbar und verdientermaßen bezahlt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 28.03.2025
Erhältlich über: FFS Labelservice

Website: www.vinegarhill.at
Facebook: www.facebook.com/VinegarHillMusic

(c) Anne Catherine Swallow

Harakiri For The Sky treten in große Fußstapfen: ihre eigenen. Vor knapp vier Jahren gelang mit „Mære“ der bislang größte Charterfolg, bei den deutschen Nachbarn ging es sogar bis auf Platz 4 der Album-Verkaufsliste. Seither erschienen Neuaufnahmen der ersten beiden Platten, neues Material durfte in Ruhe wachsen und gedeihen. Bis jetzt: J.J. und M.S. erweitern ihren Horizont auf „Scorched Earth“ ein weiteres Mal, sprengen Post- und Extreme-Grenzen, und bringen zudem eine starke, überaus illustre Gästeliste sowie die eine oder andere selbst für Harakiri For The Sky kräftige Überraschung mit.

Fragile Töne eröffnen das Album, „Heal Me“ tastet sich vorsichtig voran. Der mit siebeneinhalb Minuten kürzeste (!) Track der regulären Auflage macht zugleich mehr als deutlich, wohin die Reise geht. Monumentale Wucht, emotional aufgeladener Feinsinn und furiose, aufwühlende Vocals finden schnell zusammen. Verzweiflung, Verlust, Liebe und Existenzängste bleiben zentrale Themen, die J.J. mit seinen wüsten Screams seziert. Tim Yatras von Austere unterstreicht den hymnischen Wahnsinn. Am anderen Ende des Albums mischt die grandiose Serena Cherry von Svalbard mit und heizt „Too Late For Goodbyes“ so richtig ein. Der atemlose Ritt auf der Rasiermesserklinge wird zur Gratwanderung, zerlegt Sensibilitäten und lässt doch stets bittere Süße an die Oberfläche schwimmen.

Davon hat auch „No Graves But The Sea“ mehr als genug, wobei sich Harakiri For The Sky erst einmal bitten lassen. Am vermeintlichen introvertierten Höhepunkt explodiert das Duo aus den Boxen, lässt beißende Härte mit epischen Zäsuren kollidieren. Das stete Wechselspiel, von nervöser Energie und konstantem Brodeln getragen, geht mindestens so sehr an die Substanz wie das getragene „With Autumn I’ll Surrender“, tatsächlich etwas herbstlicher angelegt und durch pure Anmut überraschend. Hier unterstreicht das Duo seine erweiterten Songwriting-Stärken und zieht in einen Malstrom widersprüchlicher Gefühle hinab, die durch Mark und Bein fahren.

Wer diese experimentellen, Grenzen überschreitenden Harakiri For The Sky schätzt, sollte sich die limitierte Auflage mit zwei Bonus-Tracks holen. Ein überraschendes Radiohead-Cover, „Street Spirit (Fade Out)“ mit P.G. von Groza, spielt mit Post-Rock-Anmut und Gothic-Zwischentönen, während Daniel Lang von Backwards Charm der grungigen Quasi-Ballade „Elysian Fields“ unfassbar viel Herz verleiht. Alles zusammen unterstreicht die Ausnahmeklasse dieser Band, die sich zu keiner Zeit von ihren schwarzmetallischen Wurzeln lossagen will, und diesen doch mit wachsender Begeisterung gar natürlich entwachsen ist. „Scorched Earth“ ist sein ganz eigenes Ding, ein eigenes Genre, eine eigene Musikwelt und zugleich eine Machtdemonstration. Nur wenige Bands können mit Harakiri For The Sky mithalten, das unterstreicht ihr bis dato vielleicht bestes Album eindrucksvoll.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 24.01.2025
Erhältlich über: AOP Records (Edel)

Facebook: www.facebook.com/HarakiriForTheSky

(c) Grey Skies Ahead

Feinsinniger, instrumentaler Post Rock aus Graz machte im Frühjahr 2019 die Runde. Grey Skies Ahead aus der Steiermark gelang mit „Panacea“ ein kleiner Leckerbissen, der durch narrative Brillanz, hohe Spannung sowie den einen oder anderen metallischen Ausritt glänzte. Seit Anfang 2021 ist man zu fünft unterwegs, nun sogar mit einem Sänger, und zeigt sich zugleich musikalisch von einer neuen, härteren und zugleich melodischeren Seite. „Endling“ ist das Werk einer Band, die das sprichwörtliche Schema F hinter sich ließ und mit respektablem Mut zur internationalen Spitzenklasse aufschloss.

Von mehreren instrumentalen Zwischenspielen gekonnt zusammengehalten, blühen diese gut 52 Minuten sofort auf und orientieren sich an höchsten Höhen. Das zeigt sich bereits in „Midas“, dem ersten regulären Song, dessen siebeneinhalb Minuten doch eine spürbare Abkehr von der letzten Platte markieren. Mehr Heavyness, proggige Nervosität im Unterbau, aber auch feinsinnige Melodik am Scheideweg zu Hardcore harmonieren prima mit den fantastischen Vocals. In den Screams mit voller Vehemenz durch Mark und Bein fahrend, legt sich der Klargesang wie Balsam auf die Seele. Besagtes Wechselspiel kennzeichnet auch diesen Song, wie auch weite Teile des Albums. Ein nahezu durchgehendes Spiel mit Ebbe und Flut experimentiert mit dem Spannungsaufbau so unterschiedlicher Acts wie Architects und Russian Circles.

Am anderen Ende des Albums wächst ein Zweiteiler über sich hinaus. Im ersten Abschnitt tastet sich „Recollections“ vergleichsweise vorsichtig, schließlich entschieden und mit dem Mute nicht näher benannter Verzweiflung voran, wiederholt von brachialen Druckwellen erschüttert. Auch der zweite Abschnitt spielt mit sprunghaft wechselnden Stimmungen, denen jedoch stets ein zarter Funke Hoffnung innewohnt. Ein weiteres Highlight ist „Solitude“ mit seinem butterweichen Feinsinn im Aufgalopp, der mehr und mehr Wut und Frustration weichen muss. Was hier gesanglich im Mittelteil geschieht, mit fließenden Übergängen, durch maximalen technischen Anspruch unterstützt, ringt massig Respekt ab.

Einfach nur zu sagen, bei Grey Skies Ahead habe sich einiges getan, würde diesem Unterfangen nicht annähernd gerecht werden. Die Grazer stellen sich im besten, im stärksten Sinne neu auf und zeigen sich selbst in diesem frischen Umfeld hervorragend eingespielt. Der musikalische Wandel, die vielschichten Vocals und der nicht von der Hand zu weisende Anspruch dieser Platte lässt erst einmal staunend zurück. Ja, das ist tatsächlich dieselbe Band. Ja, die sind immer noch verdammt gut – nein, sogar noch besser. Der melodische, epische und zugleich hochmoderne Post-Metal-Ansatz bekommt dem Grazer Quintett bestens und zählt ohne Frage (nicht nur) zu den heimischen Highlight des Musikjahres.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 31.10.2024
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: www.greyskiesahead.com
Facebook: www.facebook.com/greyskiesahead

(c) Christoph Griesser

Nur wenige Bands haben ein derart natürliches, scheinbar angeborenes Verständnis für psychedelische Heavyness wie Great Rift. Das Quartett aus der Hauptstadt widmet sich vornehmlich mystisch-philosophischen Themen, von einer echten Charakterstimme, druckvoller Schwere und losgelöster Moderne begleitet. Von Hans Mottl Audio in Wien produziert und anschließend in Nashville gemastert, widmet sich „Transient“, das nunmehr dritte Album, ‚eine[r] Geschichte über den ewigen Aufbruch aus der eigenen Vergänglichkeit‘. Nun denn.

Zu Beginn locken die „Seven Sisters“ in Zwischenwelten und bereiten eine durchaus spirituelle Erfahrung vor. Obwohl die einleitende Gitarre ein wenig an Tool erinnert, haben Great Rift damit wenig am Hut. Der langsame, gemächliche Aufbau trügt, denn wiederholte kurze Spitzen, zwischenzeitliches Brodeln und einnehmende nervöse Energie geben sich mehr als gekonnt die imaginäre Klinke in die Hand. Dass ausgerechnet „When Time Stood Still“ vergleichsweise direkt und nüchtern nach vorne geht, passt auf gewisse Weise ins Bild. Ein bluesiges Leitmotiv, herrlich verzaubernde Melodien und ein hymnischer Refrain voller Hoffnung und Sehnsucht legen die Basis für ein Mini-Epos, das vor allem in den Zwischenwelten aufblüht.

Im direkten Anschluss hebt „Flight HT360“ ab. Das Ziel ist unbekannt, doch ist der Weg für sich bereits richtig begeisternd geworden. Einer der härtesten Tracks der gesamten Platte macht die Artverwandtschaft zu Hard Rock, ja sogar zu Stoner deutlich. Hier passt auch das relativ klassische, geradlinige Gitarrensolo ins Bild, wenn der Song urplötzlich abhebt und richtig schön am Rad dreht. Rund um dieses Plateau wird es süffig, rifflastig und wuchtig. „Gargantuan“ könnte die direkte, kompakte Antwort darauf sein, ackert sich durch dicke Gitarrenwände, überrascht mit Led Zeppelin-Ansätzen und kann sich zugleich doch nie so ganz von den psychedelisch angehauchten Ursprüngen lösen – ein Glück, möchte man sagen.

Letztlich ist es alles andere als einfach, diesen wilden bis abgedrehten Mix auch nur annähernd in angemessene Worte zu kleiden, und das ist auch vollkommen in Ordnung. Stete Wendungen und Häutungen begleiten „Transient“, ohne dabei der permanenten Falle ermüdender Beliebigkeit zu erliegen. Selbst bei vermeintlich abgehobensten Psych-Ausritt steckt Herz und Hirn dahinter, stets dem cleveren Konzept der Sinnsuche unterworfen und dabei komplett befreit aufspielend. Great Rift loten die Möglichkeiten bekömmlicher Heavyness mit wachsender Begeisterung aus – eine faszinierende, richtig starke Platte, die geradezu nach guten Kopfhörern verlangt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.12.2024
Erhältlich über: Tonzonen Records (Cargo Records)

Website: www.greatrift.at
Facebook: www.facebook.com/GreatRift.Vienna

(c) Caged Wolves

Brütende Härte und herrlich verklärte Klanglandschaften begleiten das musikalische Schaffen von Caged Wolves. Das Wiener Quartett versteht sich auf zeitlose Heavyness, irgendwo rund um Stoner und Doom, Desert und Psych angeordnet. Bereits 2017 gegründet, erhielt ihre erste EP vier Jahre später bereits verdiente Aufmerksamkeit. Nun gibt es also ein erstes komplettes Album, für das man sich die nötige Zeit nahm – ein Konzeptwerk, eine Reise durch die wechselhaften, sich rapide verändernden Wüstenlandschaften. „A Deserts Tale“ wird zum narrativen Spektakel.

Im Falle der Herren aus der Hauptstadt lebt die Wüste auch musikalisch so richtig auf, allen voran im Mammuttrack „Lost In The Desert“ gekonnt illustriert. Über elf Minuten dichte Erzählung und lockere, dennoch konkrete musikalische Präsentation vereinen Heavyness mit federnder Leichtigkeit und sorgen für ein Wechselbad der Gefühle. Als wunderbarer Bonus bohren sich die kraftvollen, ausdrucksstarken Vocals direkt ins Kleinhirn, während sich der Song wiederholt häutet. Kleine, aber definitiv feine Variationen, packende Melodien und singende Gitarren geben sich auf einem drückenden Fundament aus Bass und Schlagzeug die Klinke in die Hand, entführen auf eine fantastische Gedankenreise.

Das ist aber längst nicht alles, was Caged Wolves zu bieten haben. Da wäre beispielsweise das vorab präsentierte „Call Of The Void“, ein anfangs schroffer Stomper mit verstärktem Doom-Einfluss, der mit verspielten Stoner-Riffs und Proto-Metal-Ursuppe auftrumpft. Wilde Soli treffen mitten ins Herz und machen es zur Mördergrube. Hingegen geht „Laguna“ einen ganz anderen Weg, nimmt Tempo und Heavyness über weite Strecken komplett heraus und setzt stattdessen auf psychedelische Vibes mit einem Hauch Transistor-Party. Und dann ist da noch „Chaac“, der zweite Gigant, dessen endlose Schleifen eine imaginäre Schlinge enger ziehen, während feine Variationen die sich verändernde Szenerie gekonnt illustrieren.

Viel zu schnell vorbei trotz beinahe 50 Minuten Spielzeit, das ist ohne Frage ein Kunststück. Und doch möchte man am liebsten ewig in der magischen, hypnotisierenden Welt von Caged Wolves verweilen. Gute Kopfhörer sind absolute Pflicht für diesen sympathischen Einstand, der sich die Wüste auf bekömmliche Weise Untertan macht. Und doch würde man damit „A Deserts Tale“ nicht im Ansatz gerecht werden – die wütenden Doom-Wände, die flirrenden Psych-Jams, die Proto-Riffs, die Stoner-Attitüde, die unerwarteten Transistor-Einschübe ergeben ein gewaltiges großes Ganzes mit hohem Suchtfaktor. Hier wächst eine fantastische, hochspannende Band heran.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.11.2024
Erhältlich über: Tape Capitol Music

Website: www.cagedwolves.eu
Facebook: www.facebook.com/cagedwolves

(c) Thomas Keplinger

Es mag vielleicht noch kein Doom-Meister vom Himmel gefallen sein, doch zeigten Endonomos auf ihrem ersten Album, dass sie schon jetzt verdammt nahe dran sind. Das prominent besetzte heimische Quartett mit allerlei Szenegrößen debütierte mit echter Death-Doom-Wucht, ruppigen Extremen und einem gesunden Gefühl für aufwühlende Düsternis. Wenig überraschend wird der eingeschlagene Weg fortgesetzt. „Endonomos II – Enlightenment“ lässt musikalischer Weiterentwicklung mehr als genug Raum und versucht doch zu keiner Zeit, das sprichwörtliche Rad neu zu erfinden.

„Inversion“ eröffnet fürstlich, intensiv und mit Nachdruck. Binnen kürzester Zeit flechten Endonomos dichte Klangteppiche, lassen feine Melodien aufkeimen und paaren klagenden, suchenden Gesang mit wütenden Growls. Erst spät setzt der obligatorische Death-Doom-Anteil ein und übermannt sofort – eine voluminöse, brachiale und doch stets feinsinnige Erfahrung mit Funeral-Doom-Einschlag. In „Atheon Anarkhon“ regiert erst einmal ein Hauch vornehmer Zurückhaltung, der jedoch mit fortlaufender Spieldauer von roher Dissonanz in Zeitlupe torpediert wird. Für Genre-Verhältnisse errichten Endonomos ihre kargen Mauern schnell, bevor das Finale nahezu sakrale Dimensionen annimmt.

Unbedingt erwähnt werden will „Hostile“, für das Daniel Droste von Ahab gewonnen werden konnte – ein klarer Fall von gesucht und gefunden. Noch bevor eine der Stimmen einsetzt, fällt die ganz besondere Stimmung auf, eine Art melodische Abgründigkeit, der etwas Angenehmes anhaftet, die aber ebenso andauernd dem kompletten Absturz nahe ist. Der klangende Gesang im Auge des Sturms fährt durch Mark und Bein. Selbst inmitten bewusst reduzierter, minimalistischer Einschübe findet sich die musikalische Magie. Man möchte sich kaum ausmalen, wie ein komplettes gemeinsames Album beider Bands klingen könnte, ist doch dieser Song für sich bereits ein Meisterwerk.

Auch wenn nicht jeder Song dieses unfassbar hohe Niveau erreicht, so ist das zweite Endonomos-Album doch verdammt gut geworden, knüpft nahtlos an seinen Vorgänger an und kehrt die eigene Identität noch deutlicher hervor. Die Erleuchtung gelingt, denn gerade auf klassischerer Doom-Ebene nimmt „Endonomos II – Enlightenment“ erfolgreich mehr Fahrt auf und brennt sich ein. Natürlich darf die Abgründigkeit zwischen Death- und Funeral-Doom-Chic nicht fehlen, doch geht der karge und zugleich leuchtende musikalische Ansatz auf. Endonomos pendeln sich gekonnt ein und lassen in dieser Form Großes vermuten und erhoffen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.09.2024
Erhältlich über: Argonauta Records

Facebook: www.facebook.com/Endonomos

(c) Lifeforce Records

Der geradezu kometenhafte Aufstieg aus dem gefühlten Nichts weckt Erwartungen: Glare Of The Sun aus Salzburg landeten mit ihren ersten beiden Alben absolute Volltreffer, die gekonnt und geschickt mit post-metallischen Grenzen spielten und binnen kürzester Zeit einen ureigenen, monumentalen Klangkosmos schufen. Dieses Mal dauerte es zwar etwas länger, doch macht sich die Wartezeit hörbar bezahlt. Teils mit Pungent Stench-Legende Martin Shirenc aufgenommen und von Earth Ship-Mastermind Jan Oberg gemischt und gemastert, kann „TAL“ das hohe Niveau tatsächlich halten, ohne dabei auf der Stelle zu treten.

Gerade hinsichtlich Dynamik wurde ordentlich geschraubt und gewerkelt, und Tracks wie „Äon“ unterstreichen dies eindrucksvoll. Es dauert ein wenig, bis es losgeht, doch zieht schon der ruhige, ominöse Aufbau in seinen Bann. Dezent eingesetzte Streicher kommen auf dieser Platte immer wieder zum Einsatz und unterstreichen die musikgewordene Dramaturgie des Quintetts. Dazu kommt bewegender Klargesang in den Strophen, den man so eher in nautischen Doomgefilden erwarten würde. Pure Hässlichkeit am emotionalen Höhepunkt mit ähnlich aufwühlenden Noten im kompromisslosen Unterbau runden das Geschehen etatmäßig ab.

Dieses undurchsichtige, abwechslungsreiche und doch nie beliebige Bollwerk behauptet sich mehr und mehr. Da wäre beispielsweise „Leaving Towards Spring“, ebenfalls zunächst fragil und fast schon unscheinbar, bevor schmerzensgeplagte Schreie intensive kalte Schauer lostreten und das Nervenkostüm bis zum Äußersten spannen … nur um die nächste Zäsur mitzunehmen. Stark ist auch das eröffnende „Colossus“ mit seinem Doom-Bollwerk, zwischen frostigem Flüstern und halsbrecherischen Attacken – Glare Of The Sun in Bestform. Zwei Bonus-Tracks, die auf Vinyl fehlen, erweitern das Gesamtkunstwerk gekonnt, wobei die abschließende Fanfare von „Horizon“, das zwischen Wutbolzen und Blechbläsern pendelt, die Nackenhaare tätschelt.

Starker Sound, starke neue Ideen, dazu starke Gäste (J.J. von Harakiri For The Sky / Karg sowie Maffi von Collapse 7 mischen lautstark mit) – abermals stimmt das Gesamtpaket. „TAL“ setzt feine frische Akzente, ohne sich komplett vom bisherigen Schaffen abzuwenden, und löst seine Aufgabe gewohnt exzellent. Glare Of The Sun sind absolute Meister ihres Fachs, die mit Post, Doom, Gaze und Dark gar spielerisch umgehen, die echte Emotionen auslösen und jeden Song zu einem kleinen Kunstwerk reifen lassen. Eine knappe Stunde lang taucht man in eine unwirtliche und doch so einladende Welt ein, die zermürbt, die man zu keiner Zeit missen möchte. Auch das dritte Album ist ein absolutes Meisterwerk geworden.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 13.09.2024
Erhältlich über: Lifeforce Records (Membran)

Website: glareofthesun.com
Facebook: www.facebook.com/glareofthesun

(c) Weltenbrandt

In Österreich entwickelte sich im Laufe der Jahre eine Black-Metal-Szene, die mit wachsender Begeisterung ums Post-Eck denkt und inzwischen eine Art atmosphärisch-intensiver Exportschlager geworden ist. In diese Riege sollten sich auch Weltenbrandt demnächst einreihen, die mit dem 2018 erschienenen „Schöpfung“ bislang ein Album sowie eine weitere Single zu Buche stehen haben. Das sperrig betitelte „Transzendenz Schatten Romantik“ erweitert den Output nicht nur gewaltig, sondern kann zudem mit einer hochkarätigen Gästeliste aufwarten.

Da wäre beispielsweise das bereits 2022 vorausgeschickte „Apotropaion“ mit P. G. von Groza, das von der ersten Sekunde an mächtig Eindruck schindet. Intensive Frontalattacken treffen auf aufwühlende, emotional aufgeladene Melodien, bevor wütende Vocals mit vertraut depressiver Ausprägung kollidieren. Ein knapp fünfminütiges Wechselbad der Gefühle geht immer wieder durch die Decke. Ähnliches gilt für „Vergängnisdenkmal“ mit Jenny von Anhedonique, das mit seinen Keyboards überraschend klassischen Charakter antäuscht. Anstatt einer himmlischen Symphonie setzt es jedoch den sukzessiven, beklemmenden Abstieg in die Untiefen des Seins, bevor das Geschehen viel zu schnell verhallt.

L. G. von Ellende drückt dem wahnwitzigen „Tiefste Rast“ seinen unverkennbaren Stempel auf. Hier verstehen es Weltenbrandt gar hervorragend, den Spagat zwischen rasender Wut, purer Frustation und depressivem Idyll zu finden. Reduzierte Piano-Zwischenspiele treffen mitten ins Herz, das längst zur Mördergrube geworden ist. Übrigens klappt es hier auch ohne Gäste prima, siehe und höre der erhabene Auftakt „Melancholia Urgewalt“, dessen heisere Vocals auf einen kolossalen Klangteppich treffen, oder „Resilienz“, dessen unzählige Wendungen hinsichtlich Songwriting und Storytelling höchste Höhen erklimmen.

Hier macht jeder einzelne Track unheimlich viel her, selbst die kleinen Zwischenspiele, und das liegt nicht nur an den teils sehr prominenten Mitstreitern. „Transzendenz Schatten Romantik“ trifft schlicht und ergreifend mitten ins Herz, lebt von starken Songs und greifbaren Emotionen, die gekonnt mit vertrautem Black Metal, zugleich jedoch mit allerlei anderen Post- und Atmospheric-Subgenres und -Einflüssen harmonieren. Weltenbrandt gelingt zudem ein imposanter Sprung vom ersten zum zweiten Alben, auch wenn dazwischen sechs Jahre lagen. Schon jetzt eine der besten (heimischen) Platten des Jahres.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 25.08.2024
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: weltenbrandt.bandcamp.com
Facebook: www.facebook.com/people/Weltenbrandt/100048743389382

(c) Alexander Huber

Mit Gyfth langt ein hoffentlich bald nicht mehr ganz so geheimer Tipp aus heimischen Landen aktuell beherzt zu. Bereits die erste EP „Aus allen Wolken“ vor zwei Jahren war ein wahnwitziges Sammelsurium, irgendwo rund um Post-Hardcore und allerlei metallische Extreme aufgebaut, ruppig und hymnisch zugleich. Anstatt in die Metalcore-Falle der Vorhersehbarkeit zu tappen, geht es auf dem ersten kompletten Album noch kompromissloser zu Werk. Etatmäßige Düsternis, Pop-Charme und Brachialgewalt mit Augenzwinkern machen sich auf „Muss los“ breit.

Die Video-Auskopplung „Opfer!“ eröffnet den wilden Reigen furios und intensiv. Erst schlägt die Turmuhr zur vollen Stunde, dann wird es heavy und bissig. Deutsche Texte fallen mit der Tür ins Haus und ringen mit dem sozialen Druck, wenn Entscheidungen erzwungen werden, begleitet von mitunter negativen Konsequenzen. Ein überraschend großer Refrain taucht aus dem Nirgendwo auf und lässt sich prima mitbrüllen. Danach nimmt „Deine Party“ erst einmal das Tempo ein wenig heraus und definiert sich über Wucht sowie über klar gesungene, fast schon geflüsterte Passagen, die zwischendurch kalte Schauer den Rücken hinabjagen.

Kalt, aber keinesfalls unterkühlt, so geht es auch in „Schnee über Wien“ vor sich. Leise rieselt der Nackenschlag, ein vorsichtiges Andocken an die Metalcore-Anfänge eines Genres, jedoch mit der längst vertrauten Gyfth-Handschrift. Stakkato-Attacken fallen tödlich aus, der Mittelteil kommt verspielt rüber. Etwas später ist der „Akku leer“, doch lässt sich das Quintett nichts davon anmerken, bemüht drastische Gesten und spitze Schreie. Kaum ist der „Ansturm“ abgewehrt, peitscht man sich ein. ‚Immer weiter‘ heißt es zwischendurch, es folgt ein angedeutetes Gitarrensolo. Im abschließenden Quasi-Titelsong „(Bruder) Muss los“ ziehen Gyfth noch einmal sämtliche Register, begleitet vom wohl besten Riff der gesamten Platte.

Nach gut einer halben Stunde ist schon wieder Schluss – passt auch, man muss das erst einmal verdauen. Natürlich drängen sich Vergleiche mit Kora Winter und frühen Callejon auf, die ebenso mit deutschen Texten und Core-Husarenritten überraschten, ungewohnte Kombinationen setzten und damit dennoch abräumten. „Muss los“ gelingt das ebenso, vielleicht sogar noch einen Tacken düsterer und extremer. Gyfth machen einfach, langen wiederholt beherzt zu und gehen gerne mal an die Schmerzgrenze. Dieses kurze, aber verdammt effektive Album macht von der ersten bis zur letzten Sekunde richtig Bock.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.08.2024
Erhältlich über: Labelservices.at

Facebook: www.facebook.com/gyfthofficial

(c) Alex Aigner

In Wien wachsen aktuell neue Meister der Kratzbürstigkeit heran. Die erst 2018 gegründeten desolat konnten mit ihren bisherigen Kleinformaten sowie dem Ende 2022 erschienenen Album „Elegance Is An Attitude… To Shit On.“ offene Türen einrennen. Mit dem rohen, wütenden Sound zwischen Noise Rock, Sludge, Death Metal und Crust gelang ein kaputter, ranziger Rohdiamant absolut abstoßender Hässlichkeit, der immer noch nachhallt. Für den Nachfolger kam man bei Reptilian Records unter, passend zur nun spürbar noisigeren Ausrichtung. „Get Sick And Let Me Watch You Die“ fällt noch einen deutlichen Tacken roher und unbequemer aus, wenngleich metallische und Hardcore-Extreme etwas zurückgefahren wurden.

Das Epitom dieser willkommenen Frischzellenkur haben desolat ans Ende des Albums gepackt: „(Gin) Tonic Youth“, zugleich erster Vorbote, nähert sich klassischem 90s-Noise-Rock an, gibt sich quengelig und bekömmlich zugleich. Gerade in den wütenden Vocals bleiben die rüpelhaften Reste spürbar, während sich die trockene und doch drückende Gitarre sofort einbringt. Die Herren aus der Hauptstadt langen beherzt zu, deutlich nihilistische Melodien ein und machen Laune. Das gilt auch für die Aufbruchsstimmung von „This Band Is Your Yoga“, für das man sich keinesfalls verbiegen muss. Kleinere frontale Ausritte, ein paar derbe Nackenhiebe, dazu gekonnter Spannungsaufbau und etwas Düsternis – so einfach kann es sein.

Und auch „Pregnant Meth Addict With Cancer“ hat etwas von einem Genre-Hit, spielt mit klassischem Alternative-Rock-Riffing und brennt sich sofort ein. Dass aus den Stimmbändern purer Grant entgegenschlägt, hat Methode. Im direkten Anschluss bemüht „Two Elderly Brothers Killed A Young Mother“ understatete Zerstörungswut. Eine imaginäre Schlinge zieht sich zu, die leichte Sludgecore-Eskalation unterhält. „Central European Nihilist Arrogance“ spielt sogar mit Hardcore Punk und Death Doom, gibt sich roh und übersteuert, zugleich jedoch so unfassbar erdrückend. Die schiere Wucht dieser gut fünf Minuten raubt sämtliche Sinne.

Nein, von Radiotauglichkeit bleiben desolat glücklicherweise meilenweit entfernt. Dennoch wirkt „Get Sick And Let Me Watch You Die“ deutlich zugänglicher als der Vorgänger. Der Noise-Rock-Fokus bekommt der Formation sehr gut, lässt sie konzentrierter und drückender auftreten, wirft sogar das eine oder andere hypnotische Riff aus. Im Hintergrund brodelt es aber weiterhin, von allerlei Gemeinheiten und roher Gewalt begleitet. Die Wiener Band setzt ihren Weg unbeirrt fort und liefert auf allen Ebenen im besten Sinne ab. An diesem Powerhouse werden sie sich künftig messen lassen müssen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 14.06.2024
Erhältlich über: Reptilian Records / Sounds of Subterrania

Website: desolatvienna.bandcamp.com

(c) Lucas Batliner

Was so eine Wohnzimmer-Jam-Sessions alles bewirken kann, zeigen Samsara Joyride. Anfang 2020 spielten die Musiker gemeinsam im 17. Wiener Bezirk und veröffentlichten eine heim-produzierte EP, nun sind sie als Band unterwegs, die sich etwas klassischeren Rock-Klängen mit Psych-, Space-, Blues-, Desert- und Stoner-Einschlag widmet. Für ihr bereits zweites Album „The Subtle And The Dense“ diente eine Live-Recording-Sessions zwischen Vintage-Equipment und digitaler Recording-Technik als Grundlage, in weiterer Folge ergänzt und nun auf 46 Minuten kondensiert.

Ein eröffnender Doppelschlag macht schnell klar, wohin die Reise geht. Das zweiteilige „I Won’t Sign“ schafft den nötigen Freiraum für den wunderbar eigenwilligen, gerne mal experimentellen Sound des Quartetts aus der Hauptstadt. Kraftvolle, sehnsüchtig angehauchte Vocals suchen und finden, während rundherum gewaltige Gitarrenwände alles in die Knie zwingen. Ihre ganze Klasse entfalten Samsara Joyride aber erst in den vermeintlichen Zwischentönen, in den instrumentalen Passagen, die zwischen filigraner Aufbauarbeit und ausufernden Soli pendeln. Der schroffe, ausgedehnte zweite Abschnitt dockt über weite Strecken sogar komplett in Wüsten-Sphären an.

Weit über neun Minuten nimmt sich „Who Tells The Story“ Zeit, um seine Geschichte zu erzählen – no na ned. Der anfangs ruhige Grundtenor mit bluesig-psychedelischer Note geht unter die Haut, während der Song auf Raten wächst und gedeiht. Obwohl sich Samsara Joyride immer wieder in bezaubernden instrumentalen Einschüben verlieren, tritt der angenehm ungezwungene Charme dieses Kleinods wiederholt in den Vordergrund. Die nicht minder bewegenden Backings von Laura Fichtenkamm sind das I-Tüpfelchen dieser Reise durch Raum und Zeit. „Safe & Sound“ beschließt hingegen mit einem deutlichen Retro-Rock-Bekenntnis, feinsinnigen 70s-Vibes und grandios zueinanderfindenden Stimmen – fast aus dem Rahmen fallend und eigentlich doch nicht.

„The Subtle And The Dense“ ist eine jener Platten, auf die man sich erst einlassen muss, die allerdings jeglichen Einsatz und alles Interesse doppelt und dreifach entlohnen. Anders gesagt: In diesen Songs steckt so viel Musikalität und Liebe zum Detail, dass einem beinahe Angst und Bange wird. Das Herz für Blues schlägt laut, ebenso für allerlei Vintage-Klänge. Und dann ist da noch dieses omnipräsente spontane Momentum einer Band, die sich musikalisch mit wachsender Begeisterung tragen lässt, zu alten und zu neuen Ufern. „The Subtle And The Dense“ lädt zu allerlei Entdeckungen ein, und man ist liebend gerne live dabei.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.02.2024
Erhältlich über: Tonzonen Records (Soulfood Music)

Facebook: www.facebook.com/samsarajoyride

(c) Patrick Eichmeir

Eine der heißesten heimischen Rock- und Metal-Aktien legt ihr erstes Album vor: Vertilizar sollte man auch jenseits etwaiger oberösterreichischer Grenzen kennen. Zwei EPs und mehrere Singles veröffentlichte das Quartett bislang, zudem kennt man Sänger Oliver Zinhobl unter anderem von seiner Teilnahme an ‚The Voice of Germany‘, wo er das bandeigene Cover von Amy Macdonalds „This Is The Life“ präsentierte. „Leave It All Behind“ schafft es tatsächlich, sämtliche Erwartungen zu bestätigen, und bedient sich damit einem letztlich doch nur oberflächlich altbackenen Sound.

Musikalisch bewegen sich Vertilizar irgendwo zwischen Alternative Rock und Metal sowie Post-Grunge – eine Richtung, die gerade in Nordamerika rund um den Jahrtausendwechsel angesagt war und aktuell ein kleines Revival feiert. Was jedoch schnell deutlich wird: Obwohl sich manch eine Parallele zu Acts wie Breaking Benjamin, Three Days Grace, stellenweise sogar etwas späteren KoRn erkennen lässt, zieht das Quartett seinen eigenen Stiefel durch. Die bleierne Schwere von „Weight Of Sorrow“ bemüht düstere Alternative-Klänge, die vor 20 bis 25 Jahren ebenfalls salonfähig gewesen wären, punkten durch intensive Stimmung, schiere Heavyness und – natürlich – Zinhobls kraftvolle Stimme, die nicht loslässt.

Freilich geht es auch deutlich lauter und ruppiger. Vertilizar haben ein Herz für beißende Wut, wie das Nu-affine „Enjoy Your Suffer“ unter Beweis stellt. Drückender Basslauf, im besten Sinne entrückte Gesangsperformance und ein ordentlicher Kinnhaken im Schlussakt machen Laune. „Dust And Shade“ häutet sich auf Raten, legt nervöse Energie frei und verbindet Wucht mit Melodie – knackig, direkt, genial. Die eröffnende Hymne „W.A.T.B.Y“ ringt mit der eigenen Schwere und wirft mit bleiernen Gewichten um sich, während die Lyrics Hoffnung machen und Solidarität stiften, massiver Breakdown inklusive.

Vor allem aber punktet „Leave It All Behind“ durch seine Geschlossenheit. Gut 40 Minuten wie aus einem Guss, ohne Schwachstelle, mit rotem Faden und zugleich ordentlich Abwechslung geben sich die imaginäre Klinke in die Hand. Vertilizar sind als Songwriter hörbar weiter gereift, ziehen mehr und mehr ihren eigenen Stiefel durch und finden ein gesundes Mittelmaß aus dröhnender, riffstarker Heavyness, dicken Melodien und derben Nackenschlägen zwischendurch. Der Einstand der Oberösterreicher auf Albumlänge hält, was die Vorboten versprachen, und sollte einen neuen Stern am heimischen Rock- und Metal-Himmel endgültig aufgehen lassen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.02.2024
Erhältlich über: Preiser Records (Warner Music)

Website: www.vertilizar.com
Facebook: www.facebook.com/vertilizar

(c) Eugen Klammsteiner / Irrwisch Artdesign (Alexander Trinkl)

Eugen Klammsteiner ist offensichtlich nicht ausgelastet. Der Drummer so illusterer Formationen wie The Great Gray Funk, Aitvaras und Blossomers wandelt nun auch auf Solopfaden. Als :UGN: verwertet der gebürtigte Osttiroler, was bei den diversen anderen Projekten keinen Platz fand, überwiegend in extremeren metallischen Gefilden mit hohem (Post-)Black-Metal-Anteil unterwegs. Für seine erste EP „Madrelingua“, die, wie auch das jüngste Aitvaras-Werk, bei Anthrazit Records erscheint, konnte er zudem drei Gaststimmern aus der Wiener und Tiroler Szene gewinnen.

Die beißende, wenngleich getragene Härte des eröffnenden „Necromante“ kommt gut. Gemeinsam mit Andreas Kaucic von Aitvaras entsteht ein ranziger, zugleich frontaler Dampfhammer, dessen Riff für Black-Metal-Verhältnisse fast schon rockig ausfällt. Je länger der Track dauert, desto mehr wird in Atmosphäre investiert. Hohes Tempo, getragene Schwere und ein erstaunlich groovender Schlussakt geben sich die Klinke in die Hand. „Mephistopheles“ geht es rein instrumental an, vermengt brachiale Sprints mit dem Post-Präfix und baut hypnotisierende Stimmung auf.

Benjamin Mimler von Slothmachine wirkt angenehm grantig. Sein Einsatz in „In The Abyss Of My Dreams“ fällt roh, ungeschliffen, infernal aus, während der Track an sich schwarzmetallisches, doomig angehauchtes Stampfen übt – sehr zermürbend, sehr einnehmend, in den richtigen Momenten fragil. Letzteres gilt für den zweiten instrumentalen Einschub: „Bagatelle“ ist ein kurzes Piano-Stück, verwaschen und von düsterer Romantik umweht. Das passt auch prima ins Bild, denn so lässt sich der Kurswechsel des abschließenden „Enigma“ prima einleiten. Klammsteiner widmet sich Dark Metal, während Scharmien Zandi von Cadû bittersüßen Gesang mit gelegentlichen Screams vermengt und süffige, finstere Klangmagie schafft. Das geht unter die Haut.

Die kreative Freiheit Klammsteiners wird in diesen 20 Minuten greifbar; hier tobt sich jemand hörbar aus, noch dazu musikalisch richtig stark umgesetzt. Natürlich bleibt das Black-Metal-Faible omnipräsent, ebenso der Sound der düsteren Schauplätze, bloß angenehm frisch und zugleich drückend. Von richtig guten Gästen stark in Szene gesetzt, macht „Madrelingua“ von vorne bis hinten Laune; finster, brachial, aber eben auch mit einem Händchen für Feinheiten. In dieser Form scheint :UGN: eine rosige Zukunft bevorzustehen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.11.2023
Erhältlich über: Anthrazit Records

Instagram: www.instagram.com/eugenklammsteiner