(c) Jonathan Noor

Ilja John Lappin ist aktuell schwer beschäftigt. Anfang des Jahres erschien ein neues Album von The Hirsch Effekt, nun meldet er sich mit seinem eigenen Projekt Pinhead zurück, das erst Anfang 2025 ein erstes Album veröffentlichte und längst zu vollwertigen Band geworden ist. Lust auf Experimente hat Lappin weiterhin, irgendwo zwischen Prog, Electro, Industrial, Metalcore und zig anderen schwermetallischen Spielarten angesiedelt. „Beauty In Pain“ widmet sich den ’12 Steps of Pain‘, die alte Illusionen durch ernüchternde, schmerzhafte Klarheit zerbrechen lässt.

Und das geschieht teils auf wüste Weise. „Cenobite Initate“ ist in seinem furiosen Chaos Hirsch-coded und geht ohne Rücksicht auf Verluste nach vorne. Math- und Jazzcore-Elemente treffen auf maximale Distortion, bevor zig Breaks den Track zerlegen. Ein Herz für Brutalität hat auch „Pain Engine“, bloß mit mehr Finsternis ausgestattet. Ruppige Djent-Attacken tragen mehr als gefällige Aggression in sich, der aus dem Nichts purzelnde Klargesang verstört. Der Titelsong „Beauty In Pain“ setzt tatsächlich auf mehr Schönheit und Pop-Appeal, packt ordentlich Kraft und Melodie in den hymnischen Refrain, der dennoch schön dreckig aufstampft – ein sympathischer Neo-Prog-Ausritt.

Auf ganz andere Weise großartig ist „Vanitas.exe“, das zwischen Death- und Metalcore-Attacken sowie unterkühlter Elektronik pendelt. Meditative EBM-Einflüsse erinnern an ruhigere Project Pitchfork zu Zeiten der NUN-Trilogie – ein packender Spagat, den das gemeinsam mit Soulbound umgesetzte „Lament Box“ mit wachsender Begeisterung auf die Spitze treibt. Giftiger, poppiger Industrial dockt schon mal bei HEALTH an, bei KMFDM, nur um ringsum mit wachsender Begeisterung auszurasten. Das epische, schwebende „The End Of You“ mutiert zu einer Art Prog-Power-Ballade mit Coheed And Cambria-Einschlag, ohne auch nur annähernd dort anzudocken – klingt komisch, macht aber Laune.

Perfekt kultivierte Überforderung verursacht und behandelt Schmerzen in einem Aufwasch: Pinhead lehnen sich möglichst weit aus dem Fenster, fallen immer wieder mal etwas und landen dennoch weich in einem Meer wohlgesinnter Brennnesseln. „Beauty In Pain“ trägt tatsächlich noch mehr Wahnsinn als der Vorgänger in sich, geht zugleich stärker ins Ohr und findet einen Mittelweg, der erst einmal wenig Sinn macht. Das stört aber nicht, denn diese kuriose Platte brennt sich nach und nach ein, verbeißt sich ein wenig, wandelt in fieberhaften Träumen und tröstet mit präzisen Faustschlägen. So schön können Schmerzen sein – eine weitere faszinierende, giftige Wundertüte von Pinhead.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: NoCut Music (OPEN)

Website: www.pinheadmusic.com
Facebook: www.facebook.com/Pxnhead

(c) Mats Ek

Im Laufe ihrer illustren, mittlerweile über drei Jahrzehnte andauernden Karriere veröffentlichten Dozer stattliche sechs Studioalbum, zuletzt das mächtige „Drifting In The Endless Void“, und doch kratzen diese bestenfalls an der Oberfläche des überaus vielfältigen Schaffens der schwedischen Stoner-Rock-Legenden. Bereits im Vorjahr erschien eine erste Compilation mit B-Seiten und Raritäten, doch damit ist noch lange nicht genug. „Reflect To Rewind: A Rarities Collection“ setzt sich aus Singles, Sampler-Beiträgen, Bonus-Tracks und anderen Perlen aus dem epochalen Katalog der Nordlichter zusammen.

Da wäre beispielsweise „The Phantom“, das 2000 nur während einer gemeinsamen Europa-Tour mit Lowrider als streng limitierte 7″ erhältlich war. Das verschwitzte Muskelpaket bringt alles zusammen, was frühe Dozer ausmacht – laut, dreckig, geradezu metallisch und von fies aufheulenden Gitarren begleitet. Der nicht enden wollende Track findet in wiederholten Schleifen neue Kraft. Hingegen rattert „Sonic Reducer“ (von einer Split-Single mit Los Natas) kurz und giftig durch. Dem Dead Boys-Cover hört man seinen Punk-Esprit an, von Unmengen an Distortion und Fuzz zersetzt. Auch stark ist das Understatement von „The Wreck“ (B-Seite der „Rising“-Single), das komplett auf Drums verzichtet und elektrisierend wirkt.

Eine wunderbar zurückgelehnte Facette des Band-Sounds präsentiert „The Cruise Might Have Been Too Much“, weitestgehend in bluesigem Desert Rock zuhause, zurückgelehnt und gefühlvoll arrangiert, nur um in der zweiten Hälfte etwas durchzustarten. Hingegen taucht „Infinity x 10“ stellenweise in unendliche Weiten ein, liebt das Fernweh und bleibt dennoch mit beiden Beinen fest am Boden. Einzig das gut achtminütige „Bitchin'“, ein Bonus-Track aus der Frühphase, verliert sich mit seinen psychedelisch-instrumentalen Endlosschleifen ein wenig. Macht nichts, denn Tracks wie „Day Of The Rope“ von der gleichnamigen Single gehen mit wütendem Elan nach vorne und servieren Riffs im Familienpack.

Erneut überlang, erneut verdammt gut: Auch diese weitere Rundreise durch ihr erweitertes Schaffen gelingt Dozer richtig gut. Der zweite Teil der Raritätensammlung gräbt zahlreiche Schätze aus, vor allem aus der Frühphase, und zeigt die Wandelbarkeit der vier Schweden. Dreckiger Fuzz, wütende Stoner-Riffs, metallische Energie, aber auch bluesiger Hard Rock, psychedelische Desert-Klänge und eine Portion Punk schwingen in diesen 70 Minuten mit – bewusst roh, ursprünglich und herzhaft. „Reflect To Rewind: A Rarities Collection“ wildert mit wachsender Begeisterung in der nach wie vor reich gefüllten Schatzruhe der Nordlichter. Und doch wäre ein neues Dozer-Album langsam, aber sicher auch nicht so verkehrt.

Ohne Wertung

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: Blues Funeral Recordings (Cargo Records)

Website: www.dozermusic.com
Facebook: www.facebook.com/dozerband

(c) Jesse Kojima

Binnen kürzester Zeit haben sich Sable Hills zu einer der Vorzeige-Metalcore-Bands der Gegenwart gemausert – und das, obwohl (oder vielleicht gerade weil) die Japaner gerne herzlich wenig auf Erwartungen geben und ihren ureigenen Weg gehen. Bereits auf „Odyssey“ spielte man mit Hardcore, Thrash und Melodic Death – ein Weg, den man nun weiterverfolgt. Nach ihrem viralen Hit „Namu“ aus dem Vorjahr, der millionenfach gestreamt wurde, erscheint mit „Homura“ bereits das vierte reguläre Album.

Und das legt nach einem folkloristischen Intro furios los: „Scars“ spuckt wütende Melodic-Death-Attacken aus, mischt etwas modernen Metalcore dazu, begleitet von einer Hauch von Djent und einem unverschämt eingängigen Refrain, der samt Klargesang sogar in poppig angehauchte Gefilde führt – ein Spagat, der prima funktioniert. Das bereits bekannte „Namu“ im Anschluss brennt sich ein, hat rein gar nichts an Strahlkraft verloren und ist nach wie vor ein brutaler Dampfhammer. Das eröffende Trio komplettiert „Godforsaken“, ein Death-Thrash-Core-Nackenschlag mit Gast-Vocals von John Henry (Darkest Hour). Der hymnische Chorus passt prima ins Bild.

Ein weiterer Überflieger ist der Titelsong „Homura“ mit Fuki von Unlucky Morpheus. Gemeinsam verbindet man feisten, drückenden Metalcore und ein wenig Göteborg mit typisch japanischen Klängen. Traditionelle Instrumentierung und rasende Aggression harmonieren auf mitreißende Weise, die japanische Gesangseinlage geht unter die Haut. Doch auch die vermeintlich klassische Kost macht Laune. „Labyrinth“ bringt alles mit, was man sich von einem brutalen, drückenden Metalcore-Banger erwartet, während „Rain“ zwischendurch die Schlagzahl erhöht und gerne mal brutalere Death-Metal-Sphären erreicht.

Kleinere, pointierte Veränderungen auf Raten stehen Sable Hills bestens zu Gesicht. Ihr Metalcore klingt offener und vielschichtiger, langt so brutal wie menschenmöglich zu und wirkt dabei noch eine Spur feinsinniger. Klassischere Melodic-Death-Einflüsse tun „Homura“ ebenso gut wie eine hörbare direkte Verbindung zur Musik der Heimat. Wiederholte Häutungen treffen auf ein geschicktes Spiel mit der Genre-Formel, zwischen ungestümer Brutalität und mächtigen Hooks. Sable Hills haben ihren ureigenen Metalcore-Sound endgültig gefunden, wiewohl auch „Homura“ durchaus nur eine Station auf ihrer aufregenden Reise zwischen großer Hymne und kochendem Pit sein könnte. Man begleitet sie weiterhin mit Begeisterung.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: Arising Empire (Edel)

Website: www.sablehills.jp
Facebook: www.facebook.com/sablehillsweb

(c) Love Sex Machine / Pelagic Records

Weiterhin könnten Bandname und Musik kaum weiter auseinanderliegen: Mit Funk und RnB haben Love Sex Machine herzlich wenig zu tun, sondern spielen eine Form von Sludge, die kaum härter, brutaler und körperlich sowie geistig überfordernder ausfallen könnte. Nach der sehr langen Wartezeit auf „Trve“ ging es diesmal deutlich schneller, was aber keinesfalls ein gutes Zeichen sein soll. „Thriving“ behält sich seinen beißenden Sarkasmus bei und klingt zugleich furioser und brachialer als je zuvor.

Bestes Beispiel für den unnachgiebigen Wahnsinn ist „Holy Filth“, das von Anfang an am Limit operiert, ohne je einen Gang nach unten zu schalten. Konstantes zähes Midtempo mit doomigen Untertönen und sumpfig-derber Urgewalt fährt durch Mark und Bein, verzweifelte Screams und Shouts werden wie ein zusätzliches Instrument eingesetzt. Im Titelsong schrauben Love Sex Machine mal eben das Tempo nach oben, lassen etwas Synthetik zu und klopfen ein wenig Beatdown in den Topf – kann man ebenfalls machen. „Ultrasatan“ trägt die Bosheit bereits im zynischen Titel und entlädt sich in apokalyptischen Stakkatoattacken.

Ein Highlight ganz anderer Art ist der Fünfminüter „The Herd“, ein bewusster Ausbruch aus der eigens definierten Norm, nicht nur aufgrund der Spielzeit. Deutlich mehr Synthesizer-Einsatz, etwas weniger Hässlichkeit und stattdessen bedrohliches Wabern der manisch-entschleunigten Art erinnern an eine unheilige Allianz von Amenra und Genghis Tron. Klingt seltsam, ist es auch, geht aber nicht mehr aus dem Kopf. Das vergleichsweise konventionelle „Polymorphism“ wirkt im Vergleich dazu fast nett, aber mindestens so ruppig und giftig – der nächste kompromisslose, leicht verkopfte Volltreffer.

Zumeist kurz, auf faulige Weise knackig und noch eine Spur wahnwitziger tanken sich Love Sex Machine durch ihren neuesten Streich. Dieser fällt tatsächlich noch eine Spur unbequemer als der bereits gefährliche Vorgänger aus und wagt einen unerbittlichen Angriff nach dem nächsten. Selbst für alles andere als zimperliche Sludge-Verhältnisse ist „Thriving“ absolut too much, wohl im besten Sinne. Denn wenngleich man sich an diese Wand von einem Album erst einmal gewöhnen muss, weiß der Wahnsinn zu unterhalten. Kompromisslose Urgewalt und erstaunlich packender Synthie-Einsatz machen Laune und verhelfen den sarkastischen Franzosen zum nächsten Höhenflug.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Facebook: www.facebook.com/love6sex6machine6

(c) Greg Travasos

Das nahezu konstante Spiel mit Grenzen und Erwartungen begleitet das US-Duo Radiant Knife seit seinen Anfängen vor etwas über einem Jahrzehnt. Mehrere kreative Häutungen und eine Reihe an Experimenten führten sie sowohl zu beißender, post-metallischer Sludge-Härte als auch zu einer intimen Auseinandersetzung mit proggig-atmosphärischer Intensität. Gut drei Jahre nach „Pressure“, das all das und mehr unter einen Hut zu bringen versuchte, widmet sich „Sankalpa“ nun deutlich mehr Melodie und Melancholie.

Bestes Beispiel für diesen packenden, frischen und nicht gänzlich unerwarteten Weg ist der Opener „Amber Waves“, der sich minuntenlang in gemächlicher Gitarrenarbeit und leicht jazziger Rhythmik verliert, ein ellenlanges Intro zelebriert und erst spät zu Stephen Stepperts erhabenen Vocals findet, die den Song so richtig aufblühen lassen. Fast nahtlos erfolgt der Übergang in „Crystal Oscillation“, das natürlich nicht komplett auf Heavyness verzichtet, diese bloß dynamischer anlegt. Erinnerungen an Voivod werden wach, während Radiant Knife nach einem Mittelweg zwischen Härte und Prog-Kunst suchen.

Dieses Ausloten der Grenzen findet sich im Laufe des Albums immer wieder, speziell im nahezu neun Minuten langen Titelsong „Sankalpa“, der wie eine konstant sägende Fanfare wirkt und sich gemächlich häutet. Schroffe Gitarren und drückende Drums wirken wie ein konstantes Rauschen post-metallischer Überreste, von kleineren melodischen Variationen wiederholt ad absurdum geführt. Im Gegensatz dazu könnte „Bones“ einer der eingängigsten Songs im Katalog von Radiant Knife sein, weckt Erinnerungen an nachdenkliche Baroness und überrascht mit teils folkigen Klängen. Die höllische Abfahrt des Sludge-Prog-Bastards „Consciousness As The Foundation Of Reality“ zerlegt dafür Körper und Geist mit wachsender Begeisterung.

Auf „The Ghost“ wagten sich Radiant Knife bereits in atmosphärische Klänge vor, doch sind sie dieses Mal noch eine Spur kompromissloser unterwegs. „Sankalpa“ verzichtet keinesfalls auf die sägende bis drückende Härte des Vorgängers, denkt diese bloß weiter und macht sie zu einem Werkzeug unter vielen, tief in den Sound eingebettet. Das ist erst einmal ein kleiner Kulturschock, macht letztlich aber unheimlich viel Laune. Die feine Klinge steht dem US-Duo hervorragend zu Gesicht, punktet mit komplexem Prog und warmherzigen Texturen, die ein wenig an das Streben diverser Sludge-Pioniere nach psychedelischer Progressivität, Melodik und Anspruch erinnern. Radiant Knife bleiben Garanten für sympathischen Wahnsinn, der ordentlich braucht, dann aber doppelt und dreifach abgeht.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/Radiantknife

(c) jvnphoto

Es dauert bei den Post-Hardcore-Veteranen Heaven In Her Arms gerne mal etwas, doch die fast neuneinhalb Jahre seit ihrem letzten Album „White Halo“ sind für das Quintett aus Tokio dennoch rekordverdächtig. Nun finden sich die japanischen Urgesteine in einer komplett anderen Welt wieder und melden sich mit einer emotional aufgeladenen Platte zurück. Verlust, Trauer, Erinnerungen und Transzendenz stehen im Mittelpunkt von „The End Of Purification“, das verstärkt auf Atmosphäre, Düsternis und Beklemmung setzt.

Sieben zumeist überlange Songs zwingen beinahe in die Knie, auf faszinierende Weise. Da wäre beispielsweise der donnernde Opener „Dawn Yarn“, der in media res startet und mit ein paar wütenden, schwerfälligen Nackenschägen sofort ins Ohr geht. Ein erster Sprint, aggressive Screams, apokalyptische Töne ringsum und ein fatalistischer Gastbeitrag von PG2 (Enslave) begleiten diesen Husarenritt, der sich wiederholt häutet, vom minimalistischen Piano-Breakdown bis zur Untergangshymne in den Schlussminuten. Hingegen ist „Split Prayers“ mit Netako Nekota (Jyocho, heliotrope) daran interessiert, die kleine Flamme köcheln zu lassen. Klassische Metal-Einflüsse und nachdenkliche Klänge passen perfekt zur etatmäßigen Wut.

Und davon haben Heaven In Your Arms mehr als genug im Gepäck. In „Iron Wire And A Canary“ muss sie sich erst finden, verbirgt sich hinter einem ausgedehnten, bittersüßen Intro. Selbst ein paar Zeilen Klargesang können das Unvermeidliche nur kurz bremsen. Mehr und mehr spitzt sich das Geschehen zu, bis zu einem Meer an Double-Bass-Salven und semi-hymnischer Dramaturgie, die von dissonanten Sprints und schmerzenden Schreien torpediert wird. Die abschließende Fanfare nebst gesprochenem Wort nimmt in den Arm. Vergleichsweise kurz und pointiert gibt sich „Threads Of Collapse“ und hält sich weitestgehend in einer Art Vorhof der Screamo-Hölle ab. Wütende Saitenhexerei, verspielte Keyboard-Flächen und bestialische Screams attackieren dafür sämtliche Sinne gleichzeitig.

So herrlich desolat sind selbst Heaven In Her Arms vergleichsweise selten unterwegs, nicht nur aufgrund der langen Wartezeit. Ein wahres Bollwerk von einem Comeback-Album führt die Grenzen von Screamo, Post-Hardcore und Post Metal an deren Limit. Das liegt nicht zuletzt am deutlich stärkeren Fokus auf Atmosphäre und Beklemmung, unter anderem durch ausgedehnte Keyboard-Flächen, lange Intros und Outros sowie unwirtliche, urplötzliche Explosionen ausgedrückt. „The End Of Purification“ hievt seinen Hang zu kompletter Überforderung auf ein komplett neues Level und hinterlässt zermürbt, gequält und verletzt zurück – ein weiteres Happening einer starken Band.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.11.2026
Erhältlich über: Banshies

Website: heaveninherarms.com
Facebook: www.facebook.com/heaveninherarmsjapan

(c) Chad Michael Ward

Stillstand ist die einzige Sache, die Johannes Persson wirklich Angst macht. Während es dem Gitarristen, Sänger und Mitbegründer von Cult Of Luna relativ egal ist, was andere Menschen über die Musik denken, würde er wohl aufhören, wenn ihn selbst das Gefühl überkäme, auf der kreativen Stelle zu treten. 25 Jahre nach ihrem ersten Album blicken die Schweden offenkundig weiterhin mit frischen Ideen und Nuancen nach vorne. Nach dem Abschluss einer hochspannenden wie herausfordernden Trilogie beschreitet „In The Shadow Of Your Shadow“ nun neue Pfade in gewohnt vertrauten Gefilden.

Soll heißen: Cult Of Luna brechen keinesfalls mit ihrem Sound, sorgen aber für frischen Wind auf Raten. Im Angesicht eines herben persönlichen Verlusts geschrieben, setzt sich das Album mit intensiven, teils über Jahre verborgenen und vergrabenen Gefühlen auseinander, die an die Oberfläche dringen. Das hört man dem betont freudlosen, kargen Sound an, wie im eröffnenden Titelsong. Persson erklärt Schmerz und Trauer zum Parasiten, der eine entstellte Seele erobert. Anfängliche Synthetik führt auf die falsche Fährte, denn dahinter verbirgt sich purer Schmerz, den selbst ein nahezu hoffnungsvoller Mittelteil nicht annähernd tilgen kann.

Besonders deutlich wird dieser innere Kampf in „One More Day“, dessen depressives Ringen mit dem Leben nach dem Verlust von überraschenden Gothic-Einschüben unterbrochen wird. David Eugene Edwards von 16 Horsepower erinnert an die klaren Momente von Napalm Death – großes Kino inmitten zwölf schleppender, zermürbender Minuten. Edwards ist nicht der einzige Gast auf diesem Album: Joe Duplantier (Gojira) gibt sich in „Sadness Will Reign“ ein kleines Stelldichein und trägt den vergleichsweise kurzen Track durch doomig groovende Metamorphosen. Die Zwischensprints des ansonsten zermürbenden „The Rift“ bleiben ebenso hängen wie die kurzen glockenhellen, schüchtern hoffnungsvollen Momente von „Burial“, dessen intensive Auseinandersetzung mit Sterblichkeit doch stets der für Cult Of Luna typischen Finalität unterworfen bleibt.

Und die hat es ein weiteres Mal in sich, sobald man die geradezu obligatorische Überforderung überwunden hat. Mehr als 70 Minuten Musik erschlägt natürlich erst einmal mit wachsender Begeisterung, wie das bei Cult Of Luna quasi üblich ist. Und dann, mit jedem weiteren Durchlauf, wird das Gehörte verarbeitet. Dringen neue Ideen an die Oberfläche. Häuten sich Monolithen in betonter Gemächlichkeit. Ein wenig frischer Wind, packende Düsternis, beklemmende Fanfaren und etatmäßige Brutalität verleihen „In The Shadow Of Your Shadow“ die obligatorische Würze einer Trauerarbeit, die nie so ganz abgeschlossen scheint. Während ein Malström an Emotionen an die Oberfläche dringt, torpedieren die Schweden den Gefühlshaushalt wieder und wieder. Erneut legen Cult Of Luna ein Meisterwerk vor – wieder etwas anders, angenehm vertraut und so zerstörerisch, so aufwühlend wie eh je.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: RED CRK Recordings (OPEN)

Website: www.cultofluna.com
Facebook: www.facebook.com/cultoflunamusic

(c) Pelagic Records

Seit über 20 Jahren zählen Hypno5e zum Extreme-Prog-Inventar. Das französische Quartett veröffentlichte zuletzt zwei moderne Klassiker, so wütend wie dynamisch wie anspruchsvoll, und macht erst gar keine Anstalten, seinen cineastischen Sound einzubremsen. Dennoch wollte man auf dem mittlerweile siebten Studioalbum ein paar Dinge anders machen, den Einsatz von Samples reduzieren und auf einen organischeren Sound setzen. Gepaart mit kürzerer Spielzeit und warmer, an 70s-Psych-Rock erinnender Produktion entstand „Trame Noire“, natürlich eine weitere Konzeptplatte.

So sind es dieses Mal nur knapp 40 Minuten, die noch dazu die zuletzt auf „Sheol“ angedeuteten proggigen Klänge stärker betonen. Ganz vorne mit dabei, nicht nur aufgrund der Tracklist, ist „Lost Fires“, das sich erst einmal an den Track herantasten muss und tatsächlich mit mehr Harmonien, mit mehr Fingerspitzengefühl überrascht. Selbstverständlich bleibt es nicht dabei, wie wohl sich die butterweichen Harmonien prima mit technisch versiertem Prog verbinden. Starke Gesangsmelodien kollidieren mit urplötzlich wechselnder Stimmung und gespannter Atmosphäre. Ein Ritt auf dem imaginären Pulverfass wird immer wieder von filigraner Nachdenklichkeit eingebremst.

Derlei Extreme machen Laune und zerren Hypno5e im besten Sinne in neue Richtungen. Wie in „Bare Bones“, das wiederholt gegen imaginäre Windmühlen kämpft und verspielte Idylle – gewisse Vergleiche mit Pink Floyd kommen nicht von ungefähr – von dissonanter Djent-Aggression zerpflücken lässt. Bei gemächlichem Tempo wiegt ein nahezu steter Kampf zwischen den Gezeiten, Ausgang ungewiss. Auch „Falmer“ brennt sich schnell ein, weil die Franzosen hier ihren geifernden Spielwitz erkennen lassen. Das sollte eigentlich ein Widerspruch in sich sein, doch macht die zwischenzeitlich groovende Explosivität richtig Laune und erinnert stellenweise an eine rabiate Version der Landsleute Gojira.

Ihr kürzestes Album seit geraumer Zeit braucht vergleichsweise lang, um so richtig zu sacken. Zumindest so etwas wie Stillstand braucht man nicht zu befürchten, das wird schnell klar. Hypno5e distanzieren sich keinesfalls von ihren jüngsten Platten, entwickeln diese bloß weiter und klingen dadurch tatsächlich eine Spur unmittelbarer als zuletzt. Deutlich mehr ruhige Momente, Retro-Prog-Vibes und feine Klinge sorgen für frischen Wind der erst einmal gewöhnungsbedürftigen Art. An die Ausnahmeklasse ihrer letzten Platten kommt „Trame Noire“ zwar nicht ganz heran, dennoch pendeln sich Hypno5e einmal mehr auf starkem Niveau ein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Website: www.hypno5e.com
Facebook: www.facebook.com/hypno5e

(c) Extol / Solid State Records

Die Pausen mögen länger und länger werden, aber wenn sich Extol zurückmelden, dann tun sie das so vehement und bahnbrechend wie eh und je. Ihr letztes Album erschien im Sommer 2013, damals noch als Trio. Man tourte noch ein wenig, bevor es – bis 2023 – in eine längere Pause ging. Inzwischen ist Gründungsmitglied Christer Espevoll (u. a. Azusa) zurück und komplettiert das Original-Line-up. Sein Bruder und Sänger Peter tourt zwar weiterhin nicht (live gibt es vielfältige Unterstützung), ist aber auf Platte weiterhin am Start. Und das bekommt dem kompromisslosen „Aura Of Decay“ richtig gut.

Ein Song wie „Merciless Hunger“ unterstreicht eindrücklich, warum die Originalbesetzung auch nach über drei Jahrzehnten unerreicht bleibt. Die wiederholten Häutungen verwirren und verzaubern – Thrash-Riff, schwarzmetallsiche Urgewalt, verträumte Prog-Fanfaren, Tech-Death-Anleihen und hymnische Urgewalt finden wahnwitzig zusammen, ohne auch nur einen Moment überladen oder überfordernd zu klingen. Diese erdrückende Leichtigkeit legt auch ein „Dimness Of Lingering Gloom“ aus den Tag. Wenn Peter Espevoll zwischenzeitilich himmlischen, intimen Klargesang auspackt, ist alles eitel. Verführerische Süße kollidiert mit geifernder Wut und zermürbenden Riffwänden.

Wiederholte Häutungen sind ein essenzieller Bestandteil einer jeden Extol-Platte, und das gilt natürlich auch für Wunderwerke wie „Phantom Dismay“. Speziell in der ersten Hälfte spielen die Norweger mit leichtfüßigem Minimalismus, setzen auf beklemmende Atmosphäre und den zartesten Hoffnungsschimmer, der in weiterer Folge von geifernden Druckwellen abgeschossen wird. Das überlange Finale „End Of Times“ nähert sich hingegen der Prog-Meisterklasse an und vermengt diese mit Death-Doom-Klängen, als wären Swallow The Sun bei King Crimson in die Lehre gegangen – bizarr, finster und stellenweise erstaunlich eingängig.

Auch wenn nicht die gesamte Platte das teils exorbitante Niveau zu halten vermag, ist dieses erneute Extol-Comeback eine feine Sache geworden. Komplette, pointierte Überforderung, betont wahnwitzige Prog-Fanfaren und noch mehr Brutalität machen Laune, speziell wenn zur Abwechslung seltene klare, verhalten hoffnungsvolle Momente durch das imaginäre Dickicht brechen. Die Reunion der Originalbesetzung tat den Norwegern hörbar gut und macht „Aura Of Decay“ zum unterhaltsamen Extrem-Prog-Erlebnis, das sämtliche Sinne mit wachsender Begeisterung torpediert – nicht immer einfach, aber einfach gut.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Solid State Records

Facebook: www.facebook.com/ExtolOfficial

(c) Keith Thompson

25 Jahre Comeback Kid, das ist mehr als nur ein Grund zum Feiern. Seit einem Vierteljahrhundert verbinden die Kanadier mächtigen Hardcore mit melodischen Hooks, punkiger Energie und metallischer Aggression und zerlegen einen Pit nach dem anderen. Für ihr mittlerweile achtes Studioalbum setzen sie auf alte Stärken, unterstützt durch Produzenten-Veteran und Motivator Will Putney. „Chosen Hell“ befasst sich mit Moral und Ethik sowie erdrückender Entscheidungsparalyse.

Comeback Kid wirken aber alles andere als erstrarrt und lahmgelegt. Der Opener „Target On My Back“ packt Unmengen an Härte und Urgewalt aus, verbindet Hardcore mit ein paar Thrash-Riffs und überschlägt sich sogar im semi-eingängigen Part selbst. Das hohe Tempo raubt erst einmal den Atem, Entspannung ist nicht in Sicht. Zwar geht es „Vindication“ nicht ganz so wüst und derb an, der Dampfhammer wird aber weiterhin geschwungen, während Andrew Neufelds Stimmbänder zu explodieren drohen. An anderer Stelle nimmt der Titelsong „Chosen Hell“ erst einmal die Geschwindigkeit raus und erdrückt regelrecht mit groovender Wucht.

Eingängige Momente gibt es aber natürlich weiterhin. Während sich diese in „Becoming“ noch schwer tun und inmitten einer zunehmend eskalierenden Spirale der Gewalt zögerlich Oberwasser gewinnen können, packt „Underneath The Pressure“ einen der besten Refrains der gesamten Platte aus – hymnisch, fieberhaft und wuchtig. Ganz so melodisch wird es in „Too Late“ nicht, doch brennt sich das manische Funkeln dennoch ein. Gemeinsam mit Courtney LaPlante von Spiritbox wird „Shedding Season“ mit wachsender Begeisterung zerlegt, während „Yesterday’s Gone“, der gemeinsame Track mit Brendan Garrone (Incendiary) von seinen Kontrasten lebt – gallig in den Strophen, eingängig wie Sau im Hauptteil.

Nach gut 32 Minuten ist schon wieder Schluss, was letztlich auch absolut reicht. Comeback Kid erfinden das Rad zwar nicht neu, drehen dafür alle Regler auf Elf und zugleich komplett durch. Ihr neuester Streich klingt noch härter, noch kompromissloser und noch melodischer als zuletzt, verausgabt sich von der ersten bis zur letzten Minute und beißt sich ohne Umwege fest. „Chosen Hell“ ist ein wuchtiger, muskelbepackter Hardcore-Leckerbissen, der natürlich mit wachsender Begeisterung über den Tellerrand blickt und so mächtig wie möglich zulangt – ein weiteres Highlight in der illustren Karriere der Kanadier.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: SharpTone Records (Warner Music)

Website: www.comeback-kid.com
Facebook: www.facebook.com/Comeback.Kid

(c) Felix Offergeld

Ein Einstand wie ein nasser Fetzen ratterte vor zweieinhalb Jahren durch, als The Pill ihren Erstling „Hollywood Smile“ an den Start brachten. Mit ihrem rasanten, kompromisslosen Mix aus Punk und Hardcore – zehn Songs in 20 Minuten – schindete das Frankfurter Quintett mächtig Eindruck. Bereits im Mai 2025 ging man erneut ins Studio und nahm einen Nachfolger auf – zwölf Songs, zwei Tage (plus ein Tag für die Gesangsspuren), live und ohne Overdubs. Mit etwas Verzögerung landet „I Need To Be A Weapon“ nun mit wundervoller Wucht.

Angefangen beim energischen, getriebenen „Poor Thing“ knüpfen The Pill locker an ihren Vorgänger an. Es dauert eine ganze Weile, bis sich der Track aus der Reserve locken lässt, bis das anfängliche Grummeln an Intensität gewinnt. Und doch ist gerade dieser nervöse, schroffe Aufgalopp ein kleines Festmahl. Dass im direkten Anschluss mit „Nighttime Routine“ ein rasantes Powerhouse in gerade einmal 62 Sekunden durchbrettert, passt ins Bild. Das für Band-Verhältnisse mit über drei Minuten geradezu epische „Big Knife“ rundet die eröffenende Trifecta gekonnt ab – mehr Punk und Rock als Hardcore, angenehm melodisch und massiv.

Auch „Bad Thing“ ist gerne etwas ausführlicher unterwegs, entlädt sich dafür in wiederholten Druckwellen – melodisch und massiv, ein kleiner Leckerbissen in Sachen Heavyness und zugleich von einer gewissen, nicht von der Hand zu weisenden Finsternis umgeben. „Boys Will Be Boys“ denkt diesen Ansatz rifflastig weiter, trägt eine Spur Gluecifer in sich, stürmt und drängt zudem mit wachsender Begeisterung und bedrohlichem Understatement. Wütende Wellenbrecher wie „Manic Pixie Dream Girl“, die kompromisslose Hardcore-Husarenritte mit Hooks vermengen, oder das angenehm unbequeme „Poison Hemlock“ landen ohne Umwege im Hinterstübchen.

Einfach machen, natürlich ohne Rücksicht auf Verluste, so tanken sich The Pill durch ihr zweites Album. Willkommene, wundervolle Kompromisslosigkeit begleitet den Longplayer – dieses Mal eine Spur länger und verspielter angelegt, ohne auch nur eine Sekunde lang seine drastische, unmittelbare Art abzulegen. „I Need To Be A Weapon“ hat den einen oder anderen längeren Track mehr, schätzt emotionale Schwere und klassische Rock- und Punk-Riffs, nur um im nächsten Moment vehement zuzulangen. Diese Tablette schluckt man gerne – ein famoser Zweitling, der alles andere als schwer runtergeht.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Sounds of Subterrania

Facebook: www.facebook.com/ThePillOfficial

(c) David Fitt

Starke Gefühle bestimmen die musikgewordene Kunst von E-L-R. Das Duo aus der Schweiz macht Musik, die gleichzeitig luftig und leicht sowie bleiern und heftig ausfällt, im weitesten Sinne irgendwo zwischen Doom, Gaze und Post Metal angesiedelt. Die Aufnahmen zu ihrem dritten Album beschreiben sie als schwierig, teils schmerzhaft. „Atropa“ – der botanische Begriff für die wunderschönen wie in manchen Fällen hochgiftigen Nachtschattengewächse, setzt sich intensiv mit Trauer, Delirium, obsessiver Liebe und Widerstandsfähigkeit auseinander.

Die drastische Magie von „Archeress“ fängt weite Teile der vertonten Intensität der Schweizer ein. Der lange Aufbau täuscht, denn urplötzlich brechen imaginäre Dämme und lassen drückende, geradezu schroffe Heavyness zu. Giftig peitschende Drums, schneidende Gitarre, in sich ruhender Gesang und Blast-Action aus dem Nichts zerlegen alles, bevor diese faszinierenden Stimmen auf dem Höhepunkt erneut auftauchen und durch die Endlosigkeit des enttäuschten Seins führen. Dort lauert bereits „Saltwinds“, herrlich unbequem ab der ersten Sekunde, und versucht zu meditieren, während das mentale Kartenhaus im Zeitlupentempo zusammenbricht.

Das Spiel mit Extremen und klanglicher Dynamik zeichnet E-L-R aus. So auch in „Cobalt Wound“ mit Shazzula von Wolvennest, das nicht so recht aus den Startblöcken kommen will. Ominöse Gitarrentöne und schleppende Doom-Zermürbung gehen eine unwirtliche Symbiose ein, setzen kurze und heftige Ausrufezeichen, wobei der sägende, bedrohliche Schlussakt sogar im besten Sinne an Amenra erinnert. Noch gewaltiger ist nur das abschließende „Echo Space“, alleine schon ob der Spielzeit von annähernd elf Minuten. Die braucht das Duo auch, um Ambient und Folk an einen steilen Abhang zu führen. Und dann springen E-L-R mit Post-Black-Metal-Stimmung, hellem Gesang und dem unaufhaltsamen Sog, der sich so plötzlich wie wohltuend ins hallende Nichts auflöst, in die leere Tiefe.

Der emotionale Fleischwolf schlägt mit erbarmungsloser Präzision zu: Mehr denn je stehen die musikalischen Extreme im Mittelpunkt, verschieben sich diese noch weiter und erweitern das damit verbundende Spannungsfeld konsequent. „Atropa“ fällt im besten Sinne giftig aus, von schwarzmetallischen Sprints über doomige Schwere bis hin zu atmosphärischer Gaze-Meditation und kleinen Ambient-Ausritten. Über all dem thront faszinierender Gesang, gerne als Gegenpol zur musikalischen Hässlichkeit eingesetzt, dennoch erschütternd und auf gewisse Weise unnahbar. E-L-R lassend tausend kleine Tode sterben, begleitet von einem beseelten Lächeln.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Prophecy Productions (SPKR)

Website: www.e-l-r.band
Facebook: www.facebook.com/elrhaze

(c) Andy Ford

Für Stillstand hatten Coilguns noch nie sonderlich viel übrig. Der Sound der Schweizer unterliegt einem nahezu konstanten Wandel, eng verbunden mit der Geschichte von Humus Records (der Plattenfirma von Gitarrist Jona Nido) und ordentlich globaler Aktivität. Mehr als 85 Konzerte spielte das Quartett im vergangenen Jahr weltweit. Zwischen zwei Konzertreisen wurde dann doch aufgenommen, erstmals im eigenen Studio und mit dem von „Odd Love“ bewährten Team, das dieses Mal zur Band reiste. „Everything We Love, We Destroy“ klingt vielschichtiger und zugleich unmittelbarer denn je, ohne sich dabei in Vorhersehbarkeit zu verlieren.

Angesichts der geringen Zeit zwischen den Konzertreisen sowie den gesammelten Erfahrungen der letzten Jahre wollte man schnelle Songs möglichst schnell aufnehmen – und das erstmals mit einem Bassisten, der ab der ersten Minute am Songwriting beteiligt war. „Teach Ourselves“ bringt den neuen Weg auf den Punkt, klingt mehr denn je nach einer Einheit und spielt freimütig mit Klangräumen. Noisiges, kratzige Chaos schwingt zumeist nur im Hintergrund mit, dafür setzt es klaustrophobe Melodik, weitestgehend klaren Gesang und konstante Spannung mit einer gesunden Portion Post-Hardcore, etwas Fugazi neben ruhigen The Dillinger Escape Plan und gemäßigten Unsane. Kann man machen, klingt richtig stark.

Irgendwelche kreativen Limits sucht man vergebens, stattdessen machen Coilguns einfach. So können im famosen „Peace Trader“ beispielsweise verzweifelte Screams, hymnische Hardcore-Punk-Momente und brüchige Desaparecidos-Exkurse (inklusive entsprechender Vocals) problemlos nebeneinanderstehen, konstant der vollkommenen Ekstase nahe. In „Punisher Disclaimer“ geht es dann doch wieder relativ ruppig und flott nach vorne, um Fassung ringend und gelegentlich die Fäuste schwingend. Im ellenlangen Abgang „Perfect Fit Content“ erschöpft sich der Marsch in Richtung verblassender Hoffnung zusehend, von emotionaler Schwere und Zeitlupen-Dissonanzen sowie dem pointiert gesprochenen Wort nach allen Regeln der Kunst zerlegt.

Mehr denn je wird die Eskalation zum Mittel mit Zweck, erfährt deutlich bewussteren Einsatz und lässt Coilguns weiter wachsen. Unbequem klangen sie schon immer, bloß selten so eindringlich. Und das mit insgesamt – für ihre Verhältnisse – etwas zurückgenommeneren Mitteln, denn derart gehäufte, semi-ruhigere Momente gab es in der Vergangenheit nicht unbedingt. „Everything We Love, We Destroy“ ist aber natürlich keinesfalls übermäßig melodisch oder gar radiofreundlich geworden, münzt diese vermehrt klaren Exkurse in quälenden Druck nebst Hoffnungsschimmer um. Das geht unter die Haut, strapaziert das Nervenkostüm und lässt nicht mehr los – ein kleiner Leckerbissen von einem Album, mit dem sich Coilguns einmal mehr als Meister ihres Fachs behaupten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Humus Records (Bertus)

Website: coilguns.ch
Facebook: www.facebook.com/coilguns

(c) Grace Gignon

Eines der wichtigsten, intensivsten Alben des Jahres kommt aus dem kanadischen Vancouver. Erst 2024 gaben PISS ihr Live-Debüt und wurden mit ihrem emotional aufgeladenen, intensiven Bühnengebahren sofort zu einer Band to watch – siehe und höre ihre KEXP-Live-Session. Nun bannt das Quartett seinen Mix aus Noise Rock, Hardcore, Punk und zig anderen Spielarten auf Platte: „you made me / skin on linen“ ist musikalisch wie textlich eine spektakuläre, überwältigende Erfahrung.

Die Erfahrungen einer von struktureller, systematischer und intimer Gewalt geprägten Kindheit tragen ein Album voller Songfragmente, Noise-Giganten, Collagen, Gedichte und Performance-Kunst. Gewalt wird als allgegenwärtiges Element der Gegenwart, der Gesellschaft und des kulturellen Seins dargestellt, und keinem Track gelingt das auf so verstörende Art und Weise wie „blocking a scene you can’t remember“. Der hektische, krampfhafte Versuch, die Worte für eine Auseinandersetzung einzustudieren, wird von konstanten Einschnitten und omnipräsentem Trauma unterbrochen, bis der Slowcore-Track schließlich in noisiges Chaos und rasende Eskalation aufgeht und zurück zu den Wurzeln des eigenen Schmerzes findet. Das wiederholte, zunehmend verzweifelte ‚cut. again.‘ geht nicht mehr aus dem Kopf.

Viel leichtfüßiger wird es rundherum nicht, auch wenn das Garage-Rock-Riff im Hardcore-Punk-Drive von „time loop at hot slit“ fast schon zugänglich anmutet. Dass hinter Dance-Punk-Anleihen die zunehmende Sexualisierung des Mädchenseins thematisiert wird, trifft als weiterer Nackenschlag, während sich der Song im Finale zerlegt. Drückende, schroffe Atemlosigkeit Marke „how can you act opposite to this emotion?“ drängt Noise Punk und Hardcore in metallische Gefilde, fast Math und doch so erschütternd, während die Ebbe und Flut von „i wanted to be a singer“ zwischen Sludge und Dissonanz laut und deutlich macht, dass hier die gelebte Erfahrung im Mittelpunkt steht, bis zum experimentellen Finale „i keep trying to change the ending“, das sich doch immer wieder im Kreis dreht.

Die wohl wichtigste halbe Stunde des Jahres (mindestens!) kommt aus British Columbia. Und zwar von einer Band, die konstant den Atem raubt, sämtliche Sinne gleichzeitg attackiert, damit komplett überfordert und mit einer schonungslosen Kombination aus zermürbender, schroffer Musik, erschütternden Texten und konsequentem Bruch mit musikalischer Formensprache die vielleicht unmittelbarste Form von Kunst und Traumaarbeit schafft. „you made me / skin on linen“ muss schmerzen, muss Unwohlsein schaffen, muss vollends verstören und verfehlt seine Wirkung nicht – ein imposantes Happening, das noch lange nachhallen wird.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Sub Pop Records (Cargo Records)

Bandcamp: pisstheband.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/piss_theband

Slider-Pic (c) Grace Gignon

(c) Andreas Neumann

Stillstand kann man den Queens Of The Stone Age nun wirklich nicht vorwerfen. Seit Jahren treibt Josh Homme die zunehmende Abkehr von rifflastigem Stoner Rock, der zeitlosen Heavyness der Wüste und von ambitionierten All-Star-Platten voran und findet sich inzwischen in gemäßigteren, bewusst breiter aufgestellten Rock-Gefilden wieder. Von Altersmilde kann aber keine Rede sein. Das mittlerweile neunte Studioalbum „Perfecth“ stellt die Band in den Mittelpunkt, dreht sich um verschiedene Formen von Liebe und entstand über viele Jahre und Sessions hinweg, in diversen Studios, Städten und Phasen der Wüstenköniginnen.

Bereits der Opener lässt nicht nur die Herzen höherschlagen: „It’s Only Love“ ist ein bizarrer, jenseitiger Piano-Song, hörbar vom Katakomben-Projekt beeinflusst, und kommt gar nicht so richtig in Fahrt, bis er vom Zug erfasst wird. Das folgende „Insignificant Other“ war hingegen der zweite und letzte Aufnahme-Take für diesen Sechsminüter, der sich in Rekordzeit fand. Nachdenkliche Stimmung, singende Gitarren und ein paar Querverweise an die letzten Platten des Quintetts machen Laune, selbst für ein paar ikonische Desert-Riffs. Und doch ist es gerade die Gemächlichkeit, nur selten durchbrochen, die sich einbrennt.

„Easy Street“ mit Country-Sängerin Nikki Lane reduziert den Sound auf ein Minimum – zwei Stimmen, Gitarren, ein paar Tasten und weit offener Raum. Das ist im besten Sinne neu, aber auch richtig stark. „Sunday“ könnte man hingegen kennen, schrieb Homme diesen Track doch ursprünglich gemeinsam mit Iggy Pop für dessen mächtiges Spätwerk „Post Pop Depression“. Die Queens-Version fällt noch tanzbarer aus, lässt die Gitarre lässig durch eine französische Disco shufflen und geht ebenso wenig aus dem Ohr wie das fantastische „Where The Goth Girls At?“, das prima auf den Vorgängern funktioniert hätte – druckvoll, hymnisch, auf understatete Weise aufbrausend. Zum Abschluss setzt es mit „Run Away From The Mob“ einen Track, der seit etwa 25 Jahren herumschwirrt und während den „Like Clockwork…“-Sessions bereits mit Dave Grohl aufgenommen wurde – vom zögerlichen Fast-Galopp bis zum kathartischen Finale.

Die kreative Häutung geht in die nächste Runde und rückt Homme näher denn je an die unvorhersehbare Einzigartigkeit eines David Bowie. Tatsächlich atmen manche Songs des Geist des Thin White Duke, ohne in derartige Gefilde vorzudringen. Bloß werden letzte Stoner- und Desert-Reste weitestgehend abgestoßen, um einen nur einem vermeintlich erwachseneren Sound Platz zu machen. Was sich zuletzt angedeutet hatte, wird nun Realität: Queens Of The Stone Age platzieren sich mehr denn je in traditionelleren Rock-Sphären und tun dies auf ihre ureigene Weise. Das fällt gerne mal düster und beklemmend aus, sexy und tanzbar, dann drückend und nahezu euphorisch. Eben „Perfecth“, ein in so ziemlich jeder Hinsicht überraschendes und doch erwartbares, verdammt gutes Album.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Matador Records / Beggars Group (Indigo)

Website: qotsa.com
Facebook: www.facebook.com/QOTSA

(c) Mastic Scum / MDD Records

Wenn Chaos und Zerstörung frohlocken, dann sind Mastic Scum in der Regel nicht weit. Die heimischen Death- und Grind-Heroen sind und bleiben Meister der brutal-kompromisslosen Schule und liefern den passenden Soundtrack zu hässlichen Zeiten. Abermals im Wiener GrindLab Studio aufgenommen, widmet sich „VOID“ dem fortlaufenden Verfall der Gegenwart, begleitet von kleineren musikalischen Experimenten sowie dem einen oder anderen Gast.

All das kommt beispielsweise in „Aftermath“ zusammen, gemeinsam mit Andy Dude von Throwback. Brutale Heavyness, gelegentlicher Groove, ein paar Tech-Death-Ausritte und vertrauter Deathgrind finden für eine bizarren wie unbequemen Track zusammen, der sich dreieinhalb Minuten lang im nahezu konstanten Wandel befindet, wiederholt präzise ausschlägt und mit seinem störrischen, fast noisigen Abgang ebenso vernichtet wie das vergleichsweise unmittelbare „Arise // Erase“. Ohne großen Rücksicht auf Verluste gehen Mastic Scum nach vorne, wobei sich der graue Himmel im Abgang noch weiter verfinstert.

Ungeachtet dessen brennt die Band ein wahres Feuerwerk ab, wie in „Synthetic Catharsis“ (mit Sebastian Grihm von Cytotoxin), dessen giftiges Riff durch Mark und Bein fährt, während einige der härtesten Grind-Passagen der gesamten Platte alles zerlegen. Das pure Gift, das „D-Termination“ wieder und wieder versprüht, macht mindestens so viel Laune, wobei die manischen Gitarren mittendrin herrlich verstören. Das Bollwerk „Experiment Of Obedience“ mit Mike Kronstofer (Before The Fall) ist mit seinem konstant verschobenen Tempo, dem falschen Ende und teils dickem Groove ebenfalls stark. Und dann wäre da noch „The Avoidance“, der über sechs Minuten lange Rausschmeißer, der Prog Death, Techgrind und melodisch angehauchten Groove auf ominöse Vocal-Samples treffen lässt – Gänsehaut der furiosen Art.

Ein Festmahl des puren Wahnsinns, garniert mit feinen Details, macht sich breit: Mastic Scum entwickeln sich auf Raten weiter, ohne komplett mit ihrem bestens vertrauten Sound zu brechen, und räumen damit ab. So kontrolliert chaotisch hat man die Urgesteine lange nicht gehört. Es groovt deutlich mehr, die Tech-Death-Anteile werden in die Höhe gefahren und doch geht nichts daran zulasten des brutalen Grind-Wahnsinns, der erneut erdrückt. Mehr von allem, noch vielschichtiger und anspruchsvoll wie sonst was: „VOID“ zeigt Mastic Scum in gewohnt starker Verfassung.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.10.2026
Erhältlich über: MDD Records (AL!VE)

Website: www.masticscum.com
Facebook: www.facebook.com/masticscum

(c) Pep Williams

Bei Darkest Hour weiß man, was man bekommt, und das seit mittlerweile 30 Jahren. Die Metalcore- und Melodic-Death-Urgesteine aus Washington D.C. um den harten Kern John Henry (Vocals) und Mike Schleibaum (Rhythmusgitarre) werden nicht müde, ihren Sound konstant zu verfeinern und weiterentwickeln. „Perpetual | Terminal“ war vor zweieinhalb Jahren als Einstand bei MNRK ein kurzweiliges Glanzlicht nach viel zu langer Wartezeit. Schleibaum betont, wie wohl man sich in der neuen Umgebung fühlt, zudem hatte man mit Mark Lewis (u. a. Exodus, Trivium und Killswitch Engage) einen echten Experten an den Reglern. „Suffer Divine“ hört man die aktuelle Topform an.

Zu hören gibt es vertraute Kost, selbstverständlich im besten Sinn. Nach einem kurzen Intro legt „Gods Of Decay“ in media res los. Henry brüllt sich erst einmal den Frust von der Seele, dann wird das Tempo kurz und pointiert angezogen. Furioser Death, etwas Core-Action, ein paar Thrash-Riffs und ein fieser Stomper mit melodischen Untertönen und rasiermesserscharfen Soli machen sich breit. So richtig tobt sich das Quintett aber erst in „Salvation“ aus, ein herrlich abgedrehter Fünfminüter mit ebenso herrlich vertrackten Einschüben. Das kurze, konsequente Ausbremsen der eigenen Musik zwischendrin macht richtig Laune, ebenso das verschleppte, unbequeme Outro, das sich immer tiefer in imaginäre Wunden bohrt.

„The Unforgiving Hand“ bricht etwaige musikalische Erwartungen sogar komplett auf und investiert zweieinhalb Minuten in instrumentale Sinnsuche und Fingerübungen, bevor verstörende Melodik und frustrierte Screams einen semi-balladesken Midtempo-Bastard lostreten, der bis zum ausgedehnten Finale immer weiter wächst. Wer danach einen kleinen Kinnhaken benötigt, lässt sich vom Titelsong die Gesichtszüge umarrangieren. Zweieinhalb Minuten Death-Thrash-Action mit fatalistisch-melodischer Schlagseite und zäh stampfendem Finale machen ebenso Laune wie das epische „A Story Of Redemption“ zum Abschluss. Das wütende, verwegene Langformat steht Darkest Hour ebenso prächtig zu Gesicht, wobei die klassische Gitarrenarbeit in der zweiten Hälfte ganz großes Kino ist.

Große Überraschungen bleiben aus – stattdessen machen Darkest Hour einfach, und zwar mit wachsender Begeisterung. Ihr mittlerweile elftes Studioalbum serviert Action, Urgewalt und gelegentliche willkommene Epik zum Drüberstreuen. Im Grunde verzichtet das Quintett darauf, das Rad neu zu erfinden, und macht einfach. Brutale Frontalattacken lockern auf, feinster Melodic Death, ein wenig Core-Ursuppe und knackige Eingängigkeit finden zusammen. „Suffer Divine“ zeigt eine Band, die ganz genau weiß, was sie will, die ihren Sound genauestens auslotet und bei aller Vertrautheit stets frisch und bekömmlich. Mehr braucht es nicht zum zermürbenden, nackenverrenkenden Glück.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: MNRK Heavy (OPEN)

Facebook: www.facebook.com/DarkestHourDudes

(c) Korrupt / Holler Records

Seit über einem Jahrzehnt setzen Korrupt verschiedene Hardcore-Ausprägung als konfrontatives Mittel zum wachrüttelnden Zweck ein. Das Quintett aus Kristiansand von der norwegischen Südküste entstammt einer recht kleinen Szene und ringt mit einer von konservativem Christentum geprägten Region, begleitet von sozialem Druck und der nahezu steten Überwachung durch das Leben in der Kleinstadt. „The Weight We Carry“ münzt dies auf die Ideen, Erwartungen, Ängste und den Druck im Innersten der Menschen um, und wie man damit umgehen kann.

„Waiting For The Sun“ eröffnet mit einer Fanfare, nur um sich binnen Sekunden im höllischen Abgrund wiederzufinden. Brachiale Blackened-Hardcore-Druckwellen erfassen mit High-Speed-Action, giftigen Screams und infernalen Gitarren, bevor das erste Singalong aus den Wolken bricht und einen Funken Hoffnung verbreitet. Dieser erlischt zwar binnen Sekunden, bereitet aber dem folgenden Kampf zwischen Licht und Schatten die perfekte gallige Bühne. Das ist aber nur eine von viele Facetten auf diesem Album, denn neben Urgewalt à la Trap Them mögen Korrupt auch feiste Riffs, eine feine Dosis Rock und verwaschene Hooks. Frühe Kvelertak schauen immer wieder mal vorbei, siehe und höre das explosive „Totalitarian“, das aggressivsten Black Metal neben geradezu sleazige Gitarren stellt.

Das Kontrastprogramm zeichnet ein Album aus, das sich nahezu konstant häutet. Wie im heiseren „Devoted To The Grave“, das am Anschlag purer Verzweiflung operiert, wild und unkontrolliert um sich schlägt, bevor im Hauptteil melodischer Hardcore aus dem Nichts auftaucht und ein unerwartetes wie angenehmes Naheverhältnis zu Comeback Kid schafft. Dieser derbe Ohrwurm lässt ebenso wenig los wie der epische, überlange Abgang „I Am The Soil“, der sich noch weiter aus dem Fenster lehnt. Finstere, faulige Blackened-Wände nehmen das Heft in die Hand, der eine oder andere melodische Ausflug verpufft regelrecht und wird von schwerfälligem Midtempo geradezu erdrückt. Bis zum erstaunlich hymnischem Abgang.

Nahezu konstant droht das sprichwörtliche Pulverfass zu explodieren. Mit ausgefahrenen Ellenbogen und einer zarten Portion Hoffnung kämpfen sich Korrupt durch die Untiefen des Seins und arbeiten einmal mehr lautstark daran, ihren eigenen Weg weiterhin verfolgen zu dürfen. „The Weight We Carry“ befasst sich mit erdrückenden Lasten, die es sich zu schultern lohnt, um gestärkt neue Ufer anzusteuern. Tiefschwarzer, brutaler Hardcore trifft auf fieberhafte Hooks, zwischen schnörkelloser roher Gewalt und eingängigem Charme pendelnd – eine gekonnte Wutprobe der unbequemen und doch alles andere als aussichtslosen Art.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Holler Records

Facebook: www.facebook.com/korruptband

(c) Toni Petraschk

Musiker so illustrer Bands wie Gavial, Elder und Gaffa Ghandi drehen die Uhr etwa 400 Jahre zurück: Hinter SEK verbergen sich Paul-Willy Stoyan, Georg Edert und Lucas Kazzer, die auf ihren beiden bisherigen DIY-Kassetten-Releases bereits ihren rein instrumentalen Sound zwischen Psych, Prog, Kraut und spaciger Experimentierfreude etablierten. Ihr erstes komplettes Album behandelt einen legendären Feldherr des Dreißigjährigen Krieges: „Wallensteins Garage“.

Gut, eine tatsächliche Garage hatte Albrecht Wenzel Eusebius von Waldstein vermutlich nicht, wohl aber ein bewegtes Leben. Zentraler Ankerpunkt dieser Platte ist „Die Schlacht bei Lützen“, eine neunminütige Abhandlung über jene desaströse Auseinandersetzung mit den Schweden, die Wallenstein Feldmarschall Pappenheim sowie sein geliebtes Pferd Amore Mio kostete. Wenig überraschend ist dieser Track voller kleiner Wendungen, reitet recht forsch und blickt doch dem Verderben entgegen. Zunehmende Entschleunigung und eine hoffnungsvolle Coda, die von einer singenden Gitarre gestört wird, hinterlassen angenehm ambivalent.

Gleich zwei Songs widmen sich dem geliebten Pferd, „Amore Mio“ und „Amore Mios Ende“. Wirkt ersterer Track zunächst noch grazil und anmutig, verfinstert sich das Arrangement im Schlussakt und wirft mit Vorahnung um sich. Der große Abschluss eskaliert in schwerfälliger Gemächlichkeit, sägt gar metallisch und ohrenbetäubend, bevor schlussendlich die Leere bleibt. Eine solche macht sich auch in „Auftritt zu Pappenheim“ breit, wenn einen erlöschenden Herzschlag simulierende Drums nach einer wahnwitzigen Tour de Force mit wiederholter schroffer Eskalation das Epos beenden.

War der eröffnende Titelsong noch vergleichsweise freundlich, fast hoffnungsvoll unterwegs, so ändert sich die Stimmung letztlich schnell. SEK entfachen wahre Sogwirkung für die Katastrophe und schaffen musikalische Begeisterung trotz thematischer Vorhersehbarkeit. Die Verbindung psychedelisch-krautiger Instrumentalmusik mit historischen Themen ist eine mehr als nur spannende Idee, mitreißend und hypnotisierend umgesetzt. „Wallensteins Garage“ arbeitet als Soundtrack zu einem imaginären Film und schafft imposante Bilder im Kopf – ein packender Einstand, in dem man sich wunderbar verlieren kann.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Exile On Mainstream Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/Stoyanedertkazzer

(c) Josh Richter

Wenn man sich bei Mental Cruelty auf eine Sache verlassen kann, dann ist es die Unvorhersehbarkeit. Die Wandlung des Quartetts aus Karlsruhe von brutalen Deathcore-Meistern zu derben Extreme-Symphonikern mit schwarzmetallischer Schlagseite brachte in den letzten Jahren großen Unterhaltungswert mit sich und gipfelte in „Zwielicht“, zugleich der Einstand von Lukas Nikolai an vorderster Front. Nach diversen Singles und weiteren Besetzungswechseln (ein Bassist wird aktuell gesucht, zudem sitzt seit dem Vorjahr Jonathan Koltun an den Drums) unterstreicht „Echoes Of A Forlorn Land“ den abermaligen Kurswechsel, der sich auf den Vorboten bereits angedeutet hatte.

Von Slam-Urgewalt distanziert man sich mehr denn je und setzt stattdessen auf Themen aus der nordischen Mythologie, begleitet von neuen Viking-, Folk-, Black- und sogar Melodic-Death-Einflüssen. Tracks wie „The Serpent Of Midgard“ zeigen jedoch, dass man musikalisch weiterhin wenig mit Amon Amarth und Konsorten zu tun hat. Die vertraute DNA des deutschen Quartetts bleibt klar erkennbar, vermischt frostige Riffs mit explosiven Vollsprints und purer, ungefilterter Aggression. Doch auch die kurzen, hymnischen Passagen kommen richtig gut, werden allerdings von tödlicher Urgewalt torpediert, bevor das Füllhorn gezückt werden kann. Konstantes Auf und Ab sowie schwarzmetallische Urgewalt dürsten nach Zerstörung.

„Frost“ braucht ein wenig, um aufzutauen, zunächst anmutig und massiv marschierend, bevor Nikolais gallige Vocals den Midtempo-Stomper frontal attackieren. Die zumeist deutlich gedrosselte Geschwindigkeit nebst symphonischen Untertönen steht Mental Cruelty ebenso gut zu Gesicht wie das furiose Riffmonster „Fenrir“, das nahezu konstant explodiert. Vertraute Deathcore-Einflüsse werden durch finstere Täler gejagt, während der dezent melodisch-proggig angehauchte Mittelteil sogar für kurze Momente die Sonne aufgehen lässt. Dieser kurze verstohlene Blick in Richtung Borknagar (minus Klargesang) macht ebenso Laune wie der Blackened-Death-Bastard „Raise The Raven Banner“, der gefühlt immer länger und schwerfälliger wird – eine weitere Monstrosität der unterkühlten und doch aggressiven Sorte.

Einmal mehr wagen Mental Cruelty etwas und rennen damit offene Türen ein. Wer die Vorboten mochte, wird „Echoes Of A Forlon Land“ lieben. Ihre Deathcore-Wurzeln bleiben offenkundig und prominent vertreten, weiterhin garniert mit Blackened Death und symphonischem Irrsinn. Durch zusätzliche Viking-Elemente, bewegende Hymnen und schwarzmetallische Urgewalt entsteht eine kauzige wie mitreißende Platte – angenehm unvorhersehbar, nach wie vor rasend und brutal, bloß um Welten nuancierter und frischer präsentiert. Mental Cruelty beschreiten neue Ufer mit alten Waffen und unterstreichen ihre bestechende Form.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Website: mentalcrueltyofficial.com
Facebook: www.facebook.com/MentalCruelty

Slider-Pic (c) Josh Richter

(c) Sav Bagshaw

Wahnwitzige Unvorhersehbarkeit bleibt eine der größten Stärken von Entheos. Während „Time Will Take Us All“ zuletzt den Härtefaktor deutlich nach oben schraubte, wird es für Prog- und Tech-Death-Fans nun schwierig. In neuer Besetzung – Sängerin Chaney Crabb und Multi-Instrumentalist Navene Koperweis wurden von den Gitarristen Scott Carstairs (Fallujah) und Michael Stancel (Allegaeon) sowie dem mittlerweile ausgestiegenen Evan Brewer unterstützt – ignoriert man vertraute metallische Extreme zwar keinesfalls, taucht aber stärker in Alternative-Klänge der 90er Jahre ein. „Empty On The Inside“ gibt sich hymnischem Wahnsinn mit scharfkantigem Unterbau hin.

Tracks wie „Hollow“ klingen nach Neuanfang, ignorieren keinesfalls die bisherigen Platten und bringen doch frischen Wind ein. Ruhige, unbequeme und finstere Töne dominieren ominöse Strophen. Die erwartete Ballade stellt sich aber keinesfalls ein, sondern wird von harschen Vocals im zunehmend eskalierenden Chorus zerlegt. Dennoch ergibt sich wunderbar bedrückende Schwere mit Nu-Beigeschmack, der Laune macht. In „Undone“ setzt es tatsächlich mehr Rock, blubbernde Elektronik und ordentlich Drama. Giftige, geradezu geifernde Aggression aus dem Nichts torpediert die gespannte Grundstimmung einmal mehr mit wachsender Begeisterung.

Wer sich den Wahnsinn früherer Platten zurückwünscht, wird unter anderem in „Pale Faith“ fündig, das technischen Anspruch mit schweißtreibendem Groove verbindet. Engelsgleicher Gesang mittendrin führt den Track wunderbar ad absurdum, speziell nach dem monströsen Breakdown. „Hell Is A Part Of Me“ darf durchaus als Kampfansage verstanden werden und kocht ab der ersten Sekunde über. Konstant wechselnde Stimmung, wütender Gegenwind und der nächste überlebensgroße Refrain machen ebenso Laune wie die Djent-Tunings von „Call My Name“, das mit Thrash-Riffs und technischem Prog die letzten Platten in zähe Extreme weiterdenkt.

Stillstand ist Gift für Entheos, die ihren Sound ein weiteres Mal aufbrechen und den Fokus etwas shiften. Der technische Anspruch der Vorgänger ist keinesfalls verloren gegangen, wird nun bloß anders verpackt. „Empty On The Inside“ setzt brachiale Eruptionen in konzentrierten Dosen ein und zerrt 90s-Magie in den Vordergrund. Dicke Hymnen, knackige Riffs, Nu- und Crossover-Einflüsse sowie Gothic-Düsternis sind nur einige der Zutaten, die diese knackige, angenehm ungewöhnliche Platte tragen. Gespannte Atmosphäre und intensivste Texturen treffen auf packende Songs und stellen das bislang kompakteste, stärkste Album der Band da. Entheos reißen mehr denn je mit und pendeln sich auf hohem Niveau ein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Metal Blade (OPEN)

Website: www.entheosofficial.com
Facebook: www.facebook.com/entheosband

(c) Half Me / Arising Empire

Das Ende des Seins ist womöglich unumgänglich. Auf ihrem neuesten Streich gehen Half Me davon aus, dass die der Welt und der Gesellschaft bereits zugefügten Schäden irreversibel sind. Lösungen gibt es keine, wohl aber Inspiration, den Status Quo zu hinterfragen und sich kritisch mit Systemen auseinanderzusetzen, die Angst und Gleichgültigkeit unterstützen. Mit im Gepäck haben die Hamburger wüsten, experimentellen und donnernden Hardcore mit metallischer Schlagseite. „Dogma“ schraubt Härte und Finsternis deutlich nach oben.

Tracks wie „No Oasis“ nehmen keine Gefangenen, rütteln wach und verteilen ab der ersten Sekunde Arschtritte. Hohes Tempo, wuchtige Produktion, fiese Screams und angedeutete melodische Momente führen von präzisen Nackenschlägen zu hymnischen Momenten sowie einem post-apokalyptischen Zusammenbruch. Die Luft ist aber nur kurz raus, denn die drückenden Drums zerlegen direkt wieder alles. Als Gegenpol reduziert „Psalm“ die Instrumentierung über weite Strecken auf ein Minimum, die Vocals sind zumeist mit einer Art Marsch in Richtung Abgrund alleine. Selbst das schwerfällige Aufbranden im Schlussakt fällt schaumgebremst aus, klingt dabei aber so gefährlich wie menschenmöglich.

„Built On Your Blood“ trägt einen der deutlichsten Kommentare zu den zerstörerischen, ausbeuterischen auto- und technokratischen Systeme der Gegenwart bereits im Titel. Wenig überraschend schneidern Half Me daraus eine geifernde Frontalattacke, packen etwas rohe Gewalt Marke Seeker drauf und mähen zwischendurch im Vollsprint Scheuklappen nieder. Das spitze „Splinter In A Rusted Crown“ bohrt sich in die schwindende Gehirnmasse und zuckt gerade in der zweiten Hälfte wiederholt aus. Zum Ausschluss benötigt „Coup d’État“ keine zwei Minuten, um mit Power Hits am laufenden Band das Licht auszumachen.

Ungeschönte Wahnsinnstaten breiten sich eine halbe Stunde lang mit unheilvollen Schwingen aus, halten einen Spiegel vor und zerschmettern diesen immer wieder, weil ein wenig mehr Unglück auch schon egal ist. Half Me geben weiterhin einen feuchten Kehricht auf bekömmliche Kost, drehen alle Regler auf Elf und langen noch beherzter zu. Die pure, ungeschönte Urgewalt von „Dogma“ macht kaputt, was bereits lange gebrochen ist, und gestaltet seinen modernen Hardcore-Ansatz unnachgiebig, zugleich vielschichtig und selbst im gefühlten Untergang mit emotionaler Tiefe ausgestattet. Das hier brennt gar wunderbar.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Arising Empire (Edel)

Website: www.halfme.band
Facebook: www.facebook.com/halfmeband

(c) Olivier Faure

Das französische Quartett Could Seed hat ein Herz für etwas verträumtere, verspieltere Post-Rock-Klänge und bezieht einiges an Kraft und Inspiration aus dem Prog-Genre. Eine gewisse Nähe zu und Affinität für Pink Floyd lässt sich bei den Herren aus der Autorennmetropole Le Mans keinesfalls von der Hand weisen. 70s-Klänge, Psychedelia, Blues und auch ein wenig Metal setzen auf Klangreisen mit Herz und Tiefgang, die Emotionen vor Technik stellen. „Terminal“ ist bereits ihr zweites Album.

Zu Beginn stellt sich ein wahrer Gigant in den Weg – in Name und Dimensionen. „Atlas“ ist einer von zwei Siebenminütern und zeigt ab der ersten Sekunde, dass Could Seed ihren Post Rock eben ganz anders angehen. Loungig und doch getrieben lacht der 70s-Schalk aus dem Nacken. Nach etwa zwei Minuten gewinnen die Gitarren an Distortion und Heavyness, der Track entfalt sich nun so richtig. Besonders gelungen ist der Klangnebel, der das große Finale einläutet – etwas unwirklich, leicht psychedelisch und doch so kraftvoll. Der betont laute, geradezu noisige bis metallische Schlussakt verpasst einen kleinen Kinnhaken.

Im Vergleich dazu ist „Druids“ direkt unterwegs, findet schnell zu seiner schwerfälligen Intensität und ringt konstant mit Licht und Schatten. Seltene freundliche Momente wechseln sich mit präzisen Frontalattacken ab. Auch „Minotaure“ entdeckt letztlich Heavyness für sich, nachdem es zuvor minutenlang auf einer siebten Wolke schwebte und mit unwirklicher Beneblung durch das Nirgendwo tanzte. Hingegen drängt „Orion“ mehr denn je in post-metallische Gefilde, laut und unnachgiebig, bevor singende Gitarren gen Ausklang begleiten. Wer hingegen das Prog-Rock-Faible der Franzosen genauer beleuchten möchte, ist im ellenlangen „Pangea“ genau richtig – über weite Strecken eine feinfühlige Klangcollage, die sich einfach treiben lässt.

Speziell mit derlei verträumten, unwirklichen Ausritten muss man sich erst vertraut machen, gehen diese doch weit über gängige Post-Rock-Erwartungen hinaus und fordern gerne mal die Geduld etwas heraus. Letztlich geht das absolut in Ordnung, weil das Retro-Prog-Flair eine wichtige Zutat für den cineastischen, bewusst offen gehaltenen Post Rock von Could Seed ist. Der darf gerne mal heavy und metallisch ausfallen, aber auch sanftmütig und filigran, dockt bei Granden wie God Is An Astronaut und Elder an, findet zudem seine eigene instrumentale Mitte zwischen tiefen Tälern und gewaltigen Bergen. „Terminal“ braucht ein wenig, um zu zünden, ist aber vor allem als Kopfhörerplatte ein magisches, nahezu spirituelles Erlebnis mit weichen Texturen und scharfkantigen Überraschungen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Klonosphere Records

Website: couldseed.com
Facebook: www.facebook.com/couldseed

(c) Thomas Moe Ellefsrud

Stillstand kennen Kanaan nicht. Das Trio aus der norwegischen Hauptstadt Oslo veröffentlicht bereits sein zehntes Album, pünktlich zum zehnjährigen Bestehen. Zuletzt zeichneten sich die Norweger vor allem durch Kooperationen und wiederaufgegriffene Improvisationen aus; je nach Sichtweise geht „Downpour“ als letzte reguläre Platte durch, ohne den weiteren Output seither zu schmälern. Das schlicht „Kanaan“ betitelte Werk konzentriert sich nun auf das, was die drei Herren aus dem hohen Norden auszeichnet: treibender instrumentaler Rock mit Fuzz- und Psych-Schwerpunkt.

Los geht es erstaunlich heavy und direkt: „P1800“ rattert in unter drei Minuten durch und bündelt die wilde Seite der Norweger in einer atemlosen Tour de Force, die sich konstant selbst zu überholen scheint und bereits erste Experimente mit Effektpedalen wagt. „Silver Cloud Blues“ geht es etwas gemächlicher an, wirkt leicht verpeilt und dadurch erst recht sympathisch. Während die Gitarre gar metallisch kratzt und beißt, hält die Rhythmusabteilung den jazzig-explosiven Fokus – wirbelnde und doch konzentrierte Drums, dazu ein pulsierender Basslauf mit bewusst knarzender Schlagseite. Wenn im Schlussdrittel die Band zusammenfindet und ein Hard-Rock-Motiv entfremdet, ist alles eitel.

Und doch kratzen Kanaan damit bestenfalls an ihrem Können als Improv-Meister. „Ouroboros“ dauert stolze 13 Minuten und taucht in vertraute Space-Rock-Gefilde ein. Völlig losgelöst und herrlich verträumt schwebt das Trio über suchendem Minimalismus. Richtung Songmitte verfinstert sich der Himmel, wandert der Fokus zu Heavyness. Schier undurchdringbare Wände und ausladende Soli heben ab. Die komplette B-Seite gehört hingegen „The Wanderer (Part I-V)“, einem gut 20-Minütigen Epos der abgehobenen Seite. Hier packen die Norweger alles rein, was sie auszeichnet, schweben auf psychedelischen Wolken, treten das Gaspedal durch, improvisieren minutenlange Soli und meditieren in krautigen Untiefen.

Natürlich strengt diese Dreiviertelstunde an, das gehört sich bei Kanaan mittlerweile so. Und doch ist es eben jene kauzige, verplante Eigentümlichkeit, die die Norwegern zu absoluten Meistern ihres Fachs macht. Auch ihr selbstbetitelter neuer Streich lässt sich nur schwer bändigen, schlägt wiederholt kleine Haken und macht sich in unwirklichen Talsohlen breit, bevor man nach den Sternen greift. Der fuzzig-psychedelische Wahnsinn häutet sich konstant und bündelt so ziemlich alles, was die Norweger auszeichnet, auf einem Album. Und die Gitarre singt ewig weiter.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Jansen Records

Facebook: www.facebook.com/kanaanband

(c) A Secret Revealed / Lifeforce Records

A Secret Revealed zählen mittlerweile zu den Meistern erdrückender Post-Metal-Klangkaskaden. Im Laufe ihrer drei bisherigen Alben etablierte sich das Quintett aus Würzburg als Powerhouse schroffer Intensität und überlebensgroßer emotionaler Wände. Seit „When The Day Years For Light“ sind mittlerweile fünf Jahre vergangen, eine nicht unbedingt willkommene Pause. Dafür ist „The Ruin I Summoned Forth“ nun auf komplette Zerstörung aus, begleitet von spannenden neuen Facetten und der Rückkehr eines alten Wegbegleiters.

Im Opener „Disheartened“ mischt Nikita Kamprad von Der Weg einer Freiheit mit, der einst den Einstand „The Bleakness“ produzierte. Wenig überraschend schnellt der Härtegrad wiederholt nach oben, begleitet von bitterer Süße. Ruppige, schwarzmetallisch angehauchte Sprints, angedeutete Melodik und wunderbar wütende, gallige Growls erschaffen einen regelrechten Klangwall, konstant der Überforderung nahe. „Torn From The Quiet“ könnte über weite Strecken als Überschrift für diese Platte durchgehen. Die Würzburger schrauben das Tempo noch ein Stück weiter in die Höhe und zelebrieren stellenweise herrlich abgefuckten Post Black Metal, während die zweite Hälfte mit dem einen oder anderen doomigen Einschub überrascht.

Der insgesamt etwas melodischere, zugleich tödliche Ansatz von „No Mercy For The Wicked“ macht ebenfalls Laune. A Secret Revealed täuschen immer wieder Frontalattacken an, zittern sich jedoch über weite Strecken durch für ihre Verhältnisse kurze viereinhalb Minuten. Das weckt stellenweise sogar erstaunliche wie wohlige Erinnerungen an The Arcane Order. Hingegen überrascht „Withered Eyes“ mit einem groovenden Intro, bevor melodischer Blackened Death Metal wieder und wieder das sprichwörtliche Heft in die Hand nimmt, Ellenbogen ausfährt und von purer Heavyness geradezu attackiert wird. Drückende Schwerfälligkeit kommt überraschend gut.

Packende frische Details tauchen tief in das vertraute post-metallische Meer an Heavyness und Verdammnis ein und werten dieses noch weiter auf. Tatsächlich klingen A Secret Revealed eine Spur gefährlicher und unberechenbarer, schlagen wiederholt mit beklemmender Präzision aus, lassen für wenige flüchtige Momente die Sonne herein, nur um im Anschluss alles zu zerlegen. „The Ruin I Summoned Forth“ ist die logische Weiterentwicklung der bisherigen Alben, torpediert den Gefühlshaushalt mit geifernder Widerspenstigkeit und frisst sich schließlich selbst auf. Einmal mehr langen die deutschen Nachbarn beherzt, pointiert, erschütternd und bewegend zu – die nächste richtig starke Platte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Lifeforce Records (SPV)

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